Ils se sont achetés un nouveau look les Arctic Monkays...

On l’a assez répété dans ce blog, les Arctic Monkeys, au fil de leurs albums, ont perdu leur pêche d’antan. Notamment depuis leur rencontre avec Josh Homme, on remarque que les chansons sont plus lentes, avec un son plus lourd mais certainement moins entrainant ! Une influence et un changement de style qui se sont traduits de façon dramatique sur leur troisième et quatrième album.

Et personnellement, même si je continue à acheter ce qu’ils enregistrent, je préfère nettement les premiers CDs.

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Après la sortie de Suck It and See, leur quatrième opus, ces petits coquins d’Arctic Monkeys nous ont livrés quelques B-sides et R U Mine ?, la chanson de cette semaine, fait partie de ces sorties décalées.

On peut aussi se demander s'ils ne l'ont pas emprunté à quelqu'un d'autre...

Un petit mot sur les deux autres chansons, Evil Twin et Electricity : on sent indubitablement l’influence qu’a eu Queens Of The Stone Age sur ces compositions, mais ces titres se démarquent surtout par le fait qu’ils sont de bien meilleurs morceaux que la plupart des chansons de Suck It And See. Ils représentent pour moi ce vers quoi Arctic Monkeys auraient dû évoluer.

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Revenons à nos moutons et R U Mine ? Si le morceau n’a musicalement toujours rien à voir avec les premières chansons que le groupe a composées, il fait bien avouer que c’est une grosse tuerie, avec des rythmes très sympathiques et remuants, une ligne de basse de feu et surtout on a envie de bouger son popotin lorsqu’on l’écoute. Une première pour le groupe depuis quelques années, eux qui nous avaient habitués à des chansons un peu molles ces derniers temps.

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Vous pourrez trouver ci-dessous la vidéo officielle bien marrante avec à la suite les paroles :

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En anglais, facile quoique quelques passages sont inaudibles donc incertains :

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I’m a puppet on a string
Tracy Island, time-traveling diamond
Cutter shaped heartaches
Come to find ya fall in some velvet morning
Years too late
She’s a silver lining lone ranger riding
Through an open space
In my mind when she’s not right there beside me

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I go crazy ’cause here isn’t where I wanna be
And satisfaction feels like a distant memory
And I can’t help myself,
All I wanna hear her say is « Are you mine? « 

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Are you mine?
Are you mine?
Are you mine?

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I guess what I’m trying to say is I need the deep end
Keep imagining meeting, wished away entire lifetimes
Unfair we’re not somewhere misbehaving for days
Great escape lost track of time and space
She’s a silver lining climbing on my desire

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And I go crazy ’cause here isn’t where I wanna be
And satisfaction feels like a distant memory
And I can’t help myself,
All I wanna hear her say is « Are you mine? « 

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Well, are you mine? (Are you mine tomorrow?)
Are you mine? (Or just mine tonight?)
Are you mine? (Are you mine? Mine?)

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And the thrill of the chase moves in mysterious ways
So in case I’m mistaken,
I just wanna hear you say you got me baby
Are you mine?

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She’s a silver lining lone ranger riding through an open space
In my mind when she’s not right there beside me
I go crazy cause here isn’t where I wanna be
And satisfaction feels like a distant memory
And I can’t help myself,
All I wanna hear her say is « Are you mine? « 

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Well, are you mine? (Are you mine tomorrow?)
Are you mine? (Or just mine tonight?)
Are you mine? (Are you mine tomorrow, or just mine tonight?)
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Et en français, beaucoup plus difficile car ça n’a pas toujours de sens…

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Je suis une marionnette tirée par un fil,
Ile Tracy, diamant découpant des cœurs brisés
Et qui voyage dans le temps
J’ai découvert que tu étais tombée dans du velours matinal
Des années en retard
Elle représente l’espoir, un garde solitaire qui traverse
Un espace vide
Dans ma tête quand elle n’est pas là juste à cote de moi

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Je perds la tête parce ce n’est pas ici où je veux être
Et être satisfait n’est plus qu’une impression de souvenir flou
Et je ne peux pas m’en empêcher,
Tout ce que je veux entendre de sa bouche est : « est-ce que tu m’appartiens ? »

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Est-ce que tu m’appartiens ?
Est-ce que tu m’appartiens ?
Est-ce que tu m’appartiens ?

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En fait ce que j’essaie de dire c’est que j’ai besoin de me sentir en danger
Continuer d’imaginer de se rencontrer, espérer des éternités ensemble
C’est injuste que nous ne soyons pas ailleurs à badiner
Une grande évasion en perdant la notion du temps et de l’espace
Elle représente l’espoir grimpant sur mon désir

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Je perds la tête parce ce n’est pas ici où je veux être
Et être satisfait n’est plus qu’une impression de souvenir flou
Et je ne peux pas m’en empêcher,
Tout ce que je veux entendre de sa bouche est : « est-ce que tu m’appartiens ? »

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Et alors, est-ce que tu m’appartiens ? (Est-ce que tu m’appartiens demain ?)
Est-ce que tu m’appartiens ? (ou bien juste ce soir ?)
Est-ce que tu m’appartiens ? (Est-ce que tu m’appartiens ? M’appartiens ?)

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Et le frisson de la chasse est incompréhensible
Donc si j’ai tort,
J’ai juste envie de t’entendre dire que tu m’as eu Baby
Est-ce que tu m’appartiens ?

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Elle représente l’espoir, un garde solitaire qui traverse un espace vide
Dans ma tête quand elle n’est pas là juste à cote de moi
Je perds la tête parce ce n’est pas ici où je veux être
Et être satisfait n’est plus qu’une impression de souvenir flou
Et je ne peux pas m’en empêcher,

Tout ce que je veux entendre de sa bouche est : « est-ce que tu m’appartiens ? »

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Et alors, est-ce que tu m’appartiens ? (Est-ce que tu m’appartiens demain ?)
Est-ce que tu m’appartiens ? (ou bien juste ce soir ?)
Est-ce que tu m’appartiens ? (Est-ce que tu m’appartiens demain ou bien juste ce soir ?)

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Je finirai par une version live, qui est en gros 10% plus rapide que le titre studio. Cela permet de remarquer que les Arctic Monkeys ne sont vraiment pas des manches sur scène !

Eh oui, le cinéma Allemand, ça existe aussi, et les quelques films qui ont réussi sur la période récente à traverser le Rhin jusqu’à nous sont généralement de très grande qualité (je pense à des films comme Head On de Fatih Akin, ou Good Bye Lenin ! de Wolfgang Becker). C’est davantage à l’émouvant et mémorable La Vie des Autres de Florian Henckel von Donnersmarck que devrait vous faire penser Barbara, de Christian Petzold ; bien que les deux films soient en réalité très différents, le fait qu’ils se déroulent tous deux en RDA et mettent en scène des personnages tourmentés par l’oppression du système autoritaire communiste, et surtout leurs qualités à la fois cinématographiques et humanistes appellent forcément à faire le rapprochement.

Dans Barbara, c’est le point de vue de la victime en révolte contre le système qui est adopté : l’héroïne, femme-médecin suspectée à juste titre de vouloir passer à l’Ouest, vient en effet d’être mutée dans un hôpital de province après avoir exercé à Berlin. Révulsée par la privation de liberté dont elle est victime, elle se ferme totalement à son environnement en attendant seulement la prochaine occasion de pouvoir s’enfuir. Sa fonction, et sa compétence, prouvent pourtant qu’elle peut être utile là où elle se trouve ; et le médecin-chef qui l’encadre à l’hôpital et qui est plus ou moins censé la surveiller, est visiblement lui aussi un homme plein de qualités, intelligent, humble, disponible, généreux… mais elle se contraint à rester furieusement froide et à rejeter sans ménagement l’amitié qu’il lui offre. Le doux docteur a pourtant le charme modeste de Ronald Zehrfeld, à mi-chemin entre Justin Timberlake et Russell Crowe, deux références qui ne sont pas des pires, en matière de sex-appeal ! C’est son regard qui, cadré en deux plans serrés, rend la scène finale du film formidablement touchante. Nina Hoss, dans le rôle principal, est de son côté irréprochable en femme d’acier dont la chaleur sincère ne peut manquer de transparaître au travers de failles discrètes et ponctuelles.

Il faut bien reconnaître que Barbara souffre un peu de la comparaison spontanée avec La Vie des Autres, qui était un film magnifique. Adoptant le point de vue de son héroïne, Barbara se montre froid et peu aimable durant la majeure partie du film, et ne suscite véritablement d’émotion que dans son dernier tiers, alors que se joue le destin du personnage-titre. C’est néanmoins un très bon film que je vous recommande, pour sa vision originale d’une RDA en pleine nature (alors qu’on garde systématiquement de l’ancien bloc soviétique une image grise de blockhaus triste) et pour son message d’espoir : contrairement au cri du cœur poussé par Barbara au milieu du film, même étouffés par un système sinistre et oppresseur, il est possible de trouver une part de bonheur grâce à la beauté d’âme de ceux qui partagent un même sort.

Un message profondément humain.

Au final… Les industriels de l’agro-alimentaire, auxquels je voue une confiance mesurée, utiliseraient pourtant un procédé tout à fait sain et connu, celui de la cristallisation fractionnée (rien à voir avec Flaubert !) : après fabrication, le beurre est fondu puis lentement refroidi. Une partie de la masse refroidit plus vite et durcit ; le reste sera prélevé, malaxé et reconditionné comme beurre « facile à tartiner ».

Finalement, donc, ça a l’air correct.

L’histoire ne dit pas ce qu’il advient de la partie refroidie… Sûrement rebidouillée pour être vendue comme du beurre classique, peut-être mélangé à du Michel pour en faire de la demi-selle… Mystère.

Bon appétit bien sûr !

Et à propos de bon appétit, et seulement pour les adultes : je cherchais sur Google une image pour illustrer cet article et de fil en aiguille (je vous fais grâce de mon cheminement humorisitico-intellectuel, j’ai tapé « rebeu » en mot-clé : je vous invite à tenter l’expérience…

L’occasion de découvrir ou redécouvrir, la plupart du temps gratuitement, les musées ou expositions du moment à la nuit tombée ! D’ailleurs, certains musées en profitent pour accompagner leur ouverture nocturne de happenings musicaux ou artistiques… Bref, un vrai bon plan sortie !

Pour Paris, quelques idées de parcours éclectiques par quartier :

- Dans le 16e : Palais de Tokyo, Musée Guimet et Musée de la Marine

- Dans le 13e : Cinémathèque française (pour l’expo de Tim Burton il risque d’y avoir foule !) et Musée du Sport, avec des animations et goodies fluo au programme

- Dans le 5e : Musée de la Préfecture de Police (avec concerts), découverte du nouveau musée de l’Institut du Monde Arabe et Grande Galerie de l’Evolution au Muséum d’Histoire Naturelle

L’ouverture nocturne gratuite démarre entre 18h et 20h, pour se terminer entre 23h et 1h, selon les musées.

Par expérience, je recommande plutôt d’investir pour ce type d’événements les petits musées… Moins fréquentés, ils réservent souvent des très bonnes surprises (le musée de Minéralogie des Mines, Rodin, la Pinacothèque…) !

Mais pour ma part, ce soir-là je pense toutefois céder aux sirènes du Grand Palais dans le 8e, avec le triplé d’expositions Helmut Newton, Beauté animale et Monumenta 2012 de Daniel Buren ! En espérant pouvoir me frayer un chemin avec mon gros bidon !

En savoir plus sur le programme complet de la Nuit Européenne des Musées : http://nuitdesmusees.culture.fr/

Donc en gros : le film raconte l’introduction d’un jeune comique de stand-up raté dans une troupe d’animateurs radio, au moment-même où leur show cesse d’être numéro 1 des émissions du matin. Comme tous sont des mecs qui se foutent de tout et de tout le monde, autant quand ils faisaient le succès de leur radio on leur passait tout, autant dès ce moment-là, le patron de la station les fait brutalement redescendre sur terre : ils vont devoir faire une tournée en province pour reconquérir leur public. Et cette aventure va naturellement leur faire recréer des liens que la routine et le succès avaient affaibli, et permettre au petit nouveau de s’imposer comme un chaînon décisif du succès de la troupe.

Bon. L’histoire est donc vraiment bateau, et pour le coup elle est même plutôt mal servie, par un personnage central (le petit nouveau) terne et jamais ni drôle ni attachant, et des scènes supposées marquer les étapes de la reconquête du public absolument pas cohérentes ni crédibles (en gros, les mecs qui sont marrants quand ils déboulonnent tout le monde redeviennent populaires quand ils deviennent tout gentils avec leurs auditeurs… mouaif).

Et pourtant, Radiostars est un film que je recommande, à tous ceux qui aiment les vannes caustiques essentiellement, parce qu’il remplit malgré tout sa fonction essentielle : on rit souvent, et il y a notamment une scène à pleurer de rire (un truc qui ne m’était plus arrivé depuis… je ne sais même plus quand au cinéma). Je poste la vidéo qui suit uniquement pour ceux qui ont vu le film et qui voudraient réécouter ce moment énorme -je déconseille à qui que ce soit d’autre de lancer la vidéo, ça ne vous ferait vraisemblablement pas rire, et ça vous gâcherait le moment dans le film si vous le voyez plus tard.

Radiostars est un film réalisé par Romain Levy, dont c’est la première réalisation ; pour le coup, si le film est drôle, c’est davantage pour la qualité des dialogues et le jeu des acteurs (avec en tête Manu Payet, très à l’aise dans un rôle qui semble taillé pour lui, et Clovis Cornillac parfaitement crédible en chef de bande bougon et vanneur sans pitié). On aurait pu avoir, en plus de la comédie qui claque, un bon feel-good movie ; le film ne parvient pas suffisamment à produire cette alchimie malgré un final qui rattrape presque les faiblesses de parcours sur ce plan. Ce sera peut-être pour le prochain film de Romain Levy ; en attendant, les amateurs d’humour caustique se régaleront déjà largement avec ce Radiostars qui se contente « seulement » d’être une très bonne comédie… c’est déjà pas mal !

Judith décapitant Holopherne (1612)

Je suis hyper en retard sur l’écriture de mes articles, et ça doit faire un mois qu’on a vu cette expo sur Artemisia Gentileschi, au Musée Maillol. Comme l’expo s’y tient jusqu’au 15 juillet 2012, il ne sera néanmoins pas trop tard pour vous y rendre si ce billet vous en donne l’envie (ou l’idée).

Artemisia Gentileschi est une artiste Italienne du XVIIe siècle qu’on identifie souvent comme l’une des premières artistes féminines à gagner la reconnaissance de ses pairs et des mécènes et collectionneurs de son temps, et assimilée par là à une figure du féminisme. Après des débuts à Rome aux côtés de son père Orazio (lui-même artiste renommé à l’époque), Artemisia obtient en effet la protection du Grand-duc (et fameux mécène) de Medicis et devient la première femme acceptée à l’Académie du Dessin de Florence, avant de croitre encore en prestige et en influence au point de devenir l’une des chefs de file du style caravagesque (qui accentue les effets de clair-obscur dans les scènes représentées pour en augmenter la puissance et la théâtralité) et finir par diriger son propre atelier à Naples pendant plus de vingt-cinq ans.

Vorti et moi connaissions surtout Artemisia (comme sans doute la majeure partie du grand public) pour sa toile la plus célèbre et la plus impressionnante, Judith décapitant Holopherne (1612). Cette œuvre est bien présente dans l’exposition, avec plusieurs autres toiles fameuses dont notamment plusieurs consacrées au même sujet, mais à différents moments de l’histoire ; la jeune Artemisia avait en effet été violée par son précepteur, et cet événement et le dur procès qui s’en était ensuivi est réputé avoir marqué durablement son style et inspiré notamment cette série de toiles où une femme forte tire sa vengeance de sang-froid sur un ennemi réduit à l’impuissance.

Saint Jérôme, d'Orazio Gentileschi (1611)

On ne retrouvera pas en revanche dans l’exposition parisienne un autre chef-d’œuvre fameux d’Artemisia, Suzanne et les vieillards (1610), dont seule une version d’atelier est proposée ici. Beaucoup d’autres toiles sont en revanches exposées, dont plusieurs qui ne sont pas d’Artemisia elle-même mais soit de ceux qui furent ses élèves, soit d’autres artistes de son temps (dont un très beau Saint-Jérôme (1611) de son père Orazio). En résulte l’impression générale d’une grande inégalité dans l’œuvre de l’artiste, qui apparaît capable du meilleur comme du plutôt passable, et seules très peu de toiles ressortent du lot au final ; personnellement, j’aurais préféré un choix plus restreint, mais mieux centré car pour le coup les toiles annexes ne m’ont pas paru apporter beaucoup à la mise en contexte de l’œuvre d’Artemisia, et elles affaiblissent au contraire pas mal la force des meilleures peintures. La disposition des toiles est aussi assez déconcertante, puisqu’elle suit un schéma vaguement anti-chronologique qui ne semble pas vraiment avoir de pertinence ; c’est très certainement la taille des oeuvres qui a nécessité qu’elles soient placées là où elles le sont (la salle principale du rez-de-chaussée étant notamment plus haute de plafond), mais cette disposition n’aide pas à suivre la trajectoire de l’artiste ni l’évolution de son style et ne sert pas non plus une présentation thématique de son œuvre, ce qui accentue encore l’impression de fourre-tout inégal que donne déjà le choix des peintures exposées. Dommage.

Pour finir néanmoins sur une note positive, c’était sauf erreur de ma part la première fois que je visitais une expo consacrée à l’art classique (plutôt qu’à la photo ou à l’art moderne) au Musée Maillol, et cette visite m’a permis de constater que paradoxalement, en se tournant vers ces arts plus anciens, la fondation s’est aussi modernisée d’une part en repensant ses conditions d’accès, et surtout d’autre part en proposant désormais une application IPhone/IPad HD (vendue 3,99 €) qui remplace avantageusement un audioguide (puisqu’en plus du support plus pratique, cette application propose des reproductions HD de très bonne qualité des œuvres présentées, et que vous pouvez ensuite conserver ce guide et ainsi revoir indéfiniment les œuvres et réécouter les commentaires qui les accompagnaient ; et même si 3,99 € c’est un peu cher pour une appli, mais c’est moins cher que la location d’un audioguide). Une très bonne initiative !

Judith et sa servante (vers 1618)

Judith et sa servante Abra avec la tête d'Holopherne (vers 1640)

Était-ce l’effet de l’orage qui avait porté jusqu’à mon poste des ondes qu’il n’était pas censé recevoir, le temps de cette seule émission qui du coup a marqué durablement ma vie de mélomane ? C’est peut-être scientifiquement douteux, mais c’est la thèse que je conserverai, d’autant que c’est cette nuit-là que grâce à cet animateur mystérieux, j’ai découvert le groupe anglais The Chamelons, avec leur chanson Here Today, qui évoque justement un personnage qui a perdu ses repères. Ambiance : je vous laisse écouter le morceau, et je vous traduit les paroles juste après.

Paroles originales :

Don’t know what happened
But somebody lost their mind tonight
Not sure what happened
But I don’t think I got home tonight
And there’s blood on my shirt

The clap of thunder
And I see my life go flashing by
The smell of sulphur
And I weep as I embrace the sky
I heard somebody scream

My chest is burning
I think someone set my soul alight
Don’t know what happened
But I don’t think I got home tonight
I wonder why
I wonder why

Ahhhh, there’s madness here today
Ahhhh, I think I’ll go away

Where is my wife?
Where is my wife?
I’m draining away
I’m draining away
(Draining away)
Here today

Traduction maison :

Je ne sais pas ce qui s’est passé
Mais quelqu’un a perdu l’esprit ce soir
Pas sûr de ce qui s’est passé
Mais je ne crois pas être rentré chez moi ce soir
Et il y a du sang sur ma chemise

Le claquement du tonnerre
Et je vois ma vie qui défile
L’odeur du soufre
Et je pleure en étreignant le ciel
J’ai entendu quelqu’un crier

Ma poitrine brûle
Je pense que quelqu’un a mis mon âme en feu
Pas sûr de ce qui s’est passé
Mais je ne crois pas être rentré chez moi ce soir
Je me demande pourquoi

Ahhhh, la folie est là aujourd’hui
Ahhhh, Je pense que je vais partir

Où est ma femme ?
Où est ma femme ?
Je m’écoule
Je m’écoule
(m’écoule)
Ici, aujourd’hui

Mark Burgess, bassiste, chanteur et leader des Chameleons, évoque sur le site du groupe le fait que Here Today a été écrite début 1981, quelques mois après l’assassinat de John Lennon (en décembre 1980), et évoque la possibilité que ce texte ait été marqué par cet événement tragique et incompréhensible.

The Chameleons est devenu par la suite un de mes groupes fétiches bien qu’ (ou du fait qu’?) il s’agisse d’un groupe à l’audience relativement confidentielle, leur son particulier (notamment cette guitare aux notes aériennes et aux échos accentués par la réverbération qui crée avec les nappes éthérées du synthétiseur une atmosphère irréelle et vaporeuse) et leurs mélodies me rappelant régulièrement à leurs meilleures chansons, dont ce Here Today qui m’évoquera éternellement cette nuit d’orage mythique qui me fit les découvrir.

Je termine cet article avec la version enregistrée en Peel Sessions (l’exceeeellente émission radio de show musical live de feu-l’anglais John Peel diffusée sur la BBC Radio 1 de 1967 à 2004) de Here Today, dans une version où la guitare se fait à l’inverse moins aérienne, presque plus inquiétante.

357 mots ?!

Après vous avoir proposé il y a quelques temps déjà le test de Wordfeud, jeu qui a séduit quelques-uns d’entre vous et qui continue encore aujourd’hui à occuper nos longues soirées de printemps pluvieux, je voulais vous parler aujourd’hui d’un autre jeu, tout aussi chronophage et addictif.

Il ne s’agit pas de « Draw Something », que j’avais découvert il y a quelques temps déjà, téléchargé (gratuitement), mis de côté quelques temps et redécouvert grâce à une amie (Cécile, dont voici le blog, d’ailleurs). Depuis, le jeu a fait un buzz monumental, et tous les possesseurs de smartphones susceptibles d’être intéressés y jouent déjà : un article sur le sujet n’aurait que peu d’intérêt, mais je vous renvoie cependant à cette page facebook qui mérite le coup d’œil.

Non, aujourd’hui, je veux vous parler de Rumble, disponible sur iPhone en version lite (avec de la publicité, dans le même genre que sur Wordfeud) et payante (2,39 €)(ici).

Il s’agit ni plus ni moins d’un Boggle en ligne, très orienté multi-joueurs (en gros, uniquement multi-joueurs mais avec un mode solo d’entraînement).

Le jeu consiste à trouver un maximum de mots dans une grille de 4×4 lettres en deux minutes. Plus les mots sont longs et/ou plus ils comportent de bonus (lettre compte double/triple, mot compte double/triple), plus ils rapportent de points.

Chacune des 3 manches propose la même grille aux deux adversaires et à l’issue de chaque set, on a accès à différentes données : mots possibles, mots trouvés et points marqués par l’adversaire : à noter que comme pour Wordfeud, il s’agit d’un jeu asynchrone et les deux adversaires peuvent tout à fait jouer en décalé (jusqu’à 72h de décalage maximum).

Ce n’est pas la seul point commun avec Wordfeud : Rumble propose également un chat (mais la nature même du jeu ne favorise pas trop les échanges), et surtout la possibilité de rencontrer des adversaires aléatoirement ou parmi ses anciens compétiteurs ou amis : il est donc possible d’enchaîner les parties, et comme à Wordfeud, j’ai une demi-douzaine d’adversaires contre qui je m’escrime simultanément.

Là où Wordfeud propose un renouvellement de partie inépuisable (par les tirages, par les positions des lettres et bonus, etc.), Rumble est très répétitif parce que les grilles, au final, se ressemblent beaucoup (peu de lettres compliquées, très rarement plusieurs en même temps, etc.).

En revanche, Rumble, plus rapide (au final, une partie dure 6 mn ^^) propose un système de classement, qui permet de se situer par rapport aux autres joueurs, et de suivre sa propre progression (à condition d’acheter la version payante, cependant) : ainsi, j’ai l’honneur de vous faire savoir qu’en 2-3 semaines, je me suis hissé dans le top 25 des joueurs francophones et plus précisément à la 15ème place. C’est clairement mon niveau maximum parce que je rencontre maintenant des adversaires qui non seulement font des scores de malade mais qui atteignent parfois les 80 mots par manche, soit 1 mot par seconde et demi, en moyenne :^)

A propos d’aller trop vite, j’ai toujours cru que l’expression « courir comme un dératé » avait un rapport avec l’automobile, et je pense même avoir lu quelque part un article dans ce sens.

Pour moi l’expression signifiait « courir vite et de manière désordonnée », et cela avait un rapport avec les « ratées » qu’un véhicule peut parfois rencontrer.

Et en tombant sur un article sur un tout autre sujet, j’ai voulu vérifier ce que je pensais et j’ai été assez surpris de m’apercevoir que je me trompais légèrement sur le sens et surtout que l’origine historique de l’expression n’avait rien à voir avec l’automobile.

En fait, long long time ago… Les apprentis sorciers scientifiques des premiers siècles de notre ère attribuaient à la rate de nombreuses propriétés, dont celle de provoquer des points de côté lors d’efforts trop violents. Ainsi, après avoir longtemps prodigué aux athlètes et notamment aux coureurs des régimes destinés à neutraliser cet organe, on procéda même à des ablations de rate sur des chevaux et sur des chiens afin de voir si ces « dératés » amélioraient leurs capacités physiques (en vérité, ces malheureux cobayes mourraient rapidement étant donné que la rate sert principalement à recycler le sang et à protéger des maladies).

Quelqu’un qui court comme un dératé, c’est donc quelqu’un qui court vite, tout simplement, ou quelqu’un qui court vite pour la dernière fois si l’on veut être historiquement précis ;-)

Bref : si vous appréciez les jeux de lettres, et si vous ne souhaitez consacrer au jeu que quelques minutes ici ou là, je vous conseille absolument Rumble :-]

Voici donc la première d’une liste qui s’allongera (ou pas) selon mon inspiration. Ce petit poème en prose qui a plus l’apparence, non voulue, d’un slam, a été écrit il y a quelques années puis retravaillé tout récemment. D’ailleurs le titre n’est pas sans rappeler la fameuse citation d’Hamlet :  » Etre ou ne pas être, telle est la question » qui en est la tradition la plus commune. Mais j’ai appris il y a quelques années que les experts shakespearien proposaient une traduction beaucoup plus intéressante :  » To be or not (to be), to be, that is the question » : « ¨Etre ou ne pas (être), être, telle est la question » qui pose plus véritablement et plus fortement la question de « l’être ». C’est plus dans cette esprit là que s’inscrivent ces quelques lignes.

Naître ou ne pas être

Naître ou ne pas être ou être sur un hêtre…ou un bouleau.
Boulot, dodo, métro. Loisirs ? Y a pas, y a pire. Des rires ? Si peu. Des larmes, des drames, des trames, des rames de métro… boulot, dodo.
Sommeil ? Insomniaque, hausse du stress, détresse et patatrac. T’as le trac, tu fumes du crack ou tu craques, tu te braques !
Braque une banque ou prends une barque et rame de… métro boulot mais pas de dodo puisque insomniaque.
Un somnifère ? Rien à faire ou faire affaire, croiser le fer, faire le mort, celui qui dort, celui qui sort ou jette un sort.
Un sort qui gèle ? Un sort qui lège ? Un sortilège !
Sacrilège ! Y a plus de boulot, c’est le chômage, dommage, mais t’as plus l’âge, y a un barrage! T’as compris le message ? C’est ton gage jusqu’au Grand Passage.
Plus de dodo, plus de boulot, reste le métro mais trop c’est trop, c’est la grève, enfin la trêve. Il faut marcher, se fatiguer, chercher sa vérité et commencer à exister.

Sympa l'affiche.

Je me suis longuement posé la question de faire un article sur le film The Cabin In The Woods car il est difficile d’en parler sans en gâcher l’histoire.

J’ai moi-même évité toute publicité pour arriver à visionner le film sans apriori. Le fait que Marga voulait le voir m’a aussi permis de pouvoir prendre une décision sans vérifier ce que pensaient les critiques.

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L’histoire. Un groupe de 5 jeunes américains part en weekend dans un chalet qui été acheté par le cousin de l’un d’entre eux. Sur le chemin, puis dans la maison elle-même, des évènements étranges se produisent et laissent à penser que le chalet qu’ils occupent renferme des secrets maléfiques. Tous les ingrédients sont réunis pour que leur séjour se passe dans de mauvaises conditions et que la situation tourne au vinaigre, mais tout n’est pas aussi simple que cela en a l’air…

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Une affiche alternative qui m'a bien fait rigoler...

Le pitch du film ressemble étrangement à un vieux film d’horreur me direz-vous. Eh bien oui et non, car même si Drew Goddard, le réalisateur, reprend les ingrédients du genre, The Cabin In The Woods joue habilement avec le genre mais manipule les clichés pour faire sourire et même rire le spectateur. Si vous vous attendez à quelque chose de sérieux, et bien après quelques minutes de film, vous verrez que c’est en fait un gros délire. D’ailleurs, plus l’histoire avance plus on a l’impression que le dénouement va être énorme. C’est malheureusement à la fin du film que cela pêche un peu, certainement victimes de leur délire, on a l’impression que les auteurs auraient pu trouver une fin un peu moins concon.

Difficile d’en dire plus sans en gâcher la substance, je m’arrêterai donc sur ce dernière commentaire qui est que The Cabin in the Woods reste quand même bien gore, donc public abstient-toi si tu ne supportes pas la vue de l’hémoglobine.

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Personnellement, j’ai été réceptif au délire des scénaristes, et en occultant les dernières minutes du film, j’ai bien apprécié la montée en crescendo et le « partage en cacahouète » qui survient au milieu de l’histoire. Un bon divertissement qui dévie du traditionnel film d’horreur mais qui reste à prendre au quinzième degré.

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La bande annonce n’est pas trop mal, car elle ne résume pas les trois-quarts du film, j’ai aussi longuement hésité avant de la mettre :

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