Bristol, en Angleterre, est considéré comme un pôle de ce mouvement avec de nombreux artistes issus des environs et c’est d’ailleurs au musée d’art moderne qu’on avait acheté nos premières pièces d’art urbain à accrocher sur nos murs à nous.

Notre dernière trouvaille est Pahnl, un artiste basé sur Oxford et que l’on a découvert via un site en ligne qui vendait ses œuvres. Voilà ce qui a attiré notre attention au point d’en faire l’acquisition :

Eight Cats

On a tout de suite été séduit par le coté simple du dessin et le caractère plutôt rigolo des scènes qu’il produit. Voilà son site avec de nombreuses œuvres dont la plupart sont très sympas.

Dimanche dernier, nous nous sommes déplacé sur Londres, direction la West Bank Gallery pour assister à une de ses expositions (c’était court, mais réussi et gratuit donc plutôt cool).

Sa principale « exposition » fut une peinture d’une ville imaginaire qui a directement été effectuée au pochoir sur les quatre murs d’une pièce, l’équivalent d’à peu près 40 mètres de tag ; mélange de vie quotidienne, de faits divers (les émeutes de l’année précédente en Angleterre par exemple), de ses personnages préférés et des animaux qu’il aime à disséminer dans ses œuvres, le rendu de la ville de Lowdown était impressionnant et le souci du détail omniprésent. Lors de l’expo, Pahnl a même créé un faux journal, le Lowdown Times, qui était distribué à l’entrée de la galerie et qui relatait les évènements (hilarants) de la ville. On retrouve aussi ce côté humoristique sur le mur et l’originalité était de pouvoir se déplacer avec un cadre vide à la main et de choisir une aire de mur que Pahnl immortalisera en pièce unique pour l’acheteur. Une idée super sympa !

Au premier étage il y avait d’autres œuvres de sa composition et notamment des pièces uniques en forme de panneau de signalisation. Le rendu était bien fendard avec le plus rigolo d’entre tous se nommant « No Ninjas », j’ai pas voulu prendre une photo pour éviter de me faire virer des lieux mais le panneau décrivait un ninja qui coupe le signe interdit (comme dans le interdit de fumer) et qui était mortel. Je le voulais – mais pour £300, je me suis calmé direct !

Bref, un artiste qu’on va essayer de suivre et dont on hésite déjà à en acquérir une autre reprographie !

On montre notre soutien!

Je digresse, je digresse… Le jeudi 21 février a vu s’ouvrir une exposition temporaire au musée d’art moderne de Londres, le Tate Modern, et qui a pour sujet Lichtenstein, un nom qui ne vous fait peut-être pas tiquer, mais dont je suis sûr que vous avez vu au moins une de ses toiles, celle-ci par exemple :

Figure centrale du Pop Art américain, Roy Lichtenstein s’est notamment fait connaitre pour ses peintures centrées sur la publicité et le culte de l’image. Il est surtout célèbre pour ses toiles ayant pour inspiration la bande dessinée et le fait que la B.D. soit aussi populaire a propulsé Lichtenstein vers un succès quasi immédiat car ses œuvres étaient à la fois faciles d’accès mais aussi capables de choquer… enfin ça c’est le pitch de l’expo !

Alka Seltzer

Lichtenstein ne s’est pas simplement contenté de faire que des toiles inspirées de bandes dessinées, et cette rétrospective rassemble 13 salles chacune centrée sur un thème qui fut cher à l’artiste pendant sa vie et qui regroupe des tendances et techniques plus ou moins différentes (Noir et Blanc, Les Nus, Guerre et Romance, etc…). L’exposition est relativement bien faite, avec peu d’explications ce qui permet peut être de se laisser porter par la disposition des œuvres mais qui d’un autre coté ne donne pas assez d’approfondissements sur les techniques ou les inspirations.

J’ai été particulièrement séduit par tout ce que était noir et blanc, la salle sur les miroirs ainsi que les paysages, que j’ai trouvé très réussis. Ce qui démarque Lichtenstein de ses contemporains, c’est la technique qui l’a rendu célèbre et qu’il a utilisé pour composer la plupart de ses tableaux / bandes-dessinées : pour « peindre » ses toiles, il utilise souvent des grilles qui permettent de remplir les esquisses à l’aide de points plus ou moins grands. Cette technique est notamment utilisée dans les paysages chinois qu’il a créés au crépuscule de sa vie et je pense que le tableau ci-dessous est celui que j’ai préféré de toute l’expo :

Paysage Chinois

Il dégage une sérénité mais aussi une originalité qui en font une œuvre unique.

Si l’expo va se déplacer dans d’autres pays, je conseille chaudement.

Lichtenstein, j’achète ! Enfin, pas les originaux…

Saint Sébastien (1500-1502)

A quoi tient la célébrité ?
Cima de Conegliano (de son véritable nom Giovanni Battista Cima, Conegliano étant le nom de la ville qui l’a vu naître), peintre vénitien de la Renaissance contemporain du Titien et d’Albrecht Dürer, est aujourd’hui à peu près inconnu du grand public, à la différence des deux pré-cités.

A la fin du XVe siècle, Cima de Conegliano (à l’italienne, on prononce « Tchima de Coneliano ») était pourtant reconnu comme l’un des maîtres de l’art sacré. J’avoue que, bien qu’ayant poussé mes études jusqu’à la Maîtrise de Communication de la Culture, si j’avais entendu parler de l’artiste, son nom ne m’était en tous cas pas resté en mémoire ; c’est donc totalement en aveugles que Vorti et moi avions décidé d’aller voir cette expo, sur la seule foi d’une mini-chronique très favorable dans notre hebdomadaire culturel de référence.

En arrivant devant le musée, j’ai quand même instantanément reconnu le Saint Sébastien figurant sur l’affiche… et j’ai craint le pire, parce que ce style lisse et ces couleurs pastel correspondent en gros à ce que je trouve de plus ennuyeux dans l’art de la Renaissance. Ça n’a toutefois pas été suffisant pour me faire rebrousser chemin, et nous avons donc poursuivi. Et finalement, je n’ai pas regretté, parce que voir ces toiles en vrai est une expérience très différente de la simple consultation sur livre ou sur écran (oui, désolé, les illustrations que je glisse ici ne rendent absolument pas justice aux originaux) ; c’est toujours vrai d’une façon générale, mais c’est la première fois que la preuve m’en apparaît de façon aussi flagrante. La luminosité de sa palette, mais surtout la qualité et la finesse du dessin, dans le rendu minutieux de la chape de l’évêque ou le détail de la veine au front du saint dans l’excellente Incrédulité de Saint Thomas (1505) par exemple, sont particulièrement frappantes.

L'incrédulité de Saint Thomas et l'évêque Saint Magne (1505)

L’exposition attire l’attention sur les décors des compositions par ailleurs généralement très sages de Cima de Conegliano : lui qui a triomphé à Venise venait en fait plutôt de l’arrière-pays (pour ne pas dire « de la campagne »), Conegliano étant un village modeste du nord-est de l’Italie. Et ce sont les paysages champêtres de la région de son enfance dont l’artiste s’inspirait pour ces décors, qui seraient d’après l’audioguide dans bien des cas suffisamment précis pour permettre de localiser le lieu dépeint.

Le nombre d’œuvres réunies pour cette exposition était assez faible dans l’absolu (une trentaine, je pense), mais l’accrochage aéré permettait de profiter sereinement de chaque toile, et cette visite relativement courte (pour 11€ quand même – voir des expos à Paris devient de plus en plus cher…), pour peu qu’on ait consacré à chaque œuvre le temps qu’elle mérite, avait au moins l’avantage de se boucler dans le temps parfait pour ne pas finir gavé ou sur les rotules, sans pour autant sortir déçu ; si bien qu’entré avec un a priori pas très positif, je suis reparti content d’avoir pu mieux apprécier le style très fin de cet artiste méconnu.

A noter : comme pour l’expo Artemisia au Musée Maillol, une appli smartphone est disponible (y compris sur place en téléchargement via le wifi du Musée, spécialement dédié), destinée à remplacer -avantageusement- un audioguide : le support est plus pratique (on peut mettre ses propres écouteurs, on peut mettre le guide dans sa poche pendant qu’on marche), et vous pouvez ensuite conserver ce guide et ainsi revoir à volonté les œuvres (reproduites en HD) et réécouter les commentaires qui les accompagnaient ; et même si 3,99 € c’est un peu cher pour une appli, ça reste moins cher que la location d’un audioguide. J’espère donc que ce système va continuer à se populariser.

Ah oui, un détail ! L’expo s’est tenue au Musée du Luxembourg du 5 avril au… 15 juillet 2012. Oui, ça veut dire que c’est fini, et que trop tarder à écrire ses articles, c’est mal. Je promets de me rattraper sur mes prochaines chroniques (consacrées notamment à Uraniborg, de Laurent Grasso au Musée du Jeu de Paume et au Panorama de Gerhard Richter au Centre Pompidou).

En Mai sur Même Esprit, rien sur Cannes 2012 !

- Être au dernier stade d’une grossesse comporte en effet apparemment l’avantage -en plus d’avoir vachement plus de temps libre pour écrire- de ne plus avoir à surveiller son alimentation, et c’est tant mieux puisque Gattaca a ainsi pu tester (et approuver) pour nous deux Restos de burgers parisiens qui font franchement pas mal envie, Le Camion Qui Fume, et Big Fernand.

- Un peu plus tôt, c’était à la Nuit Européennes des Musées que nous invitait notre contributrice la plus active (à tous les sens du terme), qui a réussi à enchaîner trois Expos dans la même Nuit. Moi, j’ai rattrapé le temps en publiant le récit de ma visite -plutôt décevante malgré quelques très belles toiles- d’Artemisia, au Musée Maillol, que je n’avais pas eu le temps de poster en avril.

- Et de son côté, Jib a fait son retour pour nous parler fugitivement du « Konami Code » qui a pas mal fait parler de lui ces derniers temps, et qui pouvait être utilisé sur un site sur lequel on ne s’attendait pas à le trouver : le site officiel de François Bayrou pour l’élection présidentielle ! (pour l’anecdote, le Code pouvait aussi être utilisé sur une page du site de François Hollande, mais il ne fonctionne plus actuellement)

- Jika s’est posé la question, a mené l’enquête et nous a ensuite expliqué comment se fabriquait le beurre facile à tartiner. Personnellement, j’ignorais même que ça existait, mais apparemment je suis le seul type au monde à être dans ce cas.

- Aya, inspiré par la muse, a publié deux poèmes modernes en prose de sa propre plume : Naître ou ne pas Être, qui claque comme un slam brillant, et  Heurt de Poings, qui évoque la population honnie des transports en commun.

En Mai sur Même Esprit, nous sommes restés neutres quant à l'élection du Président

- Côté Musique, Stoeffler et moi nous sommes relayés pour vous présenter quelques morceaux dont nous pensons qu’ils valent d’être découverts : ça a été l’occasion pour moi de mener une véritable investigation sur les origines de The Partisan / La Complainte du Partisan, émouvant hymne de la Résistance repris depuis (principalement) par Leonard Cohen et 16 Horsepower ; puis je vous ai parlé des Chameleons, groupe de rock anglais des années post-punk, et de leur sombre et envoûtant Here Today que j’ai découvert dans des circonstances assez inoubliables pour moi. Stoeffler vous a présenté R U Mine ?, titre « inédit » des Arctic Monkeys sorti en parallèle de leur dernier album Suck it and see et ne figurant pas sur le CD (trop bien pour cet album top ennuyeux, peut-être ?). Enfin, la dernière Chanson du mois était l’autodestructeur Hurt de Nine Inch Nails, avec un détour par la reprise de ce titre par le regretté Johnny Cash. Stoeffler a aussi poursuivi sa nouvelle rubrique consacrée à la sélection des sorties CDs les plus intéressantes du mois.

- Plus de temps pour les loisirs, ça permet d’aller au parc (de loisirs) (ha ha, un bon jeu de mots ne fait jamais de mal). L’occasion pour Stoeffler de nous faire découvrir Thorpe Park, avec ses multiples attractions (en anglais, on parle de « Rollercoasters ») originales. Bon, ok, c’est en Angleterre ;  ok, c’est pas non plus à Londres… mais je parie que les amateurs seront sans doute quand même tentés de faire le voyage, à la lecture de cet article.

- Stoeffler et moi sommes les seuls à être allés au Cinéma ce mois-ci. En tous cas, le, seul, à avoir ensuite pris le temps de vous parler de ce qu’on y avait vu, et ça tombait bien puisque de mon côté j’ai bien aimé tout ce que j’ai vu : à commencer par Radiostars, comédie avec Manu Payet et Clovis Cornillac qui nous régalent de vannes caustiques. Une critique enthousiaste de Barbara de Christian Petzold, retour sur la vie sous l’oppression communiste dans un hôpital de campagne en Allemagne de l’Est et qui, autant par son thème que par son message humaniste et sa force émotionnelle, fait forcément penser à l’excellent La Vie des Autres de Florian Henckel von Donnersmarck. J’ai aussi consacré un article à l’intéressant Margin Call, premier film de J.C. Chandor, version romancée de la chute de la banque américaine Lehman Brothers aux commencements de la crise financière qui pourrit actuellement notre économie. Quant à Stoeffler, c’est La Cabane dans les Bois qu’il est allé voir (lui il dit « The Cabin in the Woods« , mais c’est parce qu’Outre-Manche, les gens ne parlent pas bien français), un film qui revisite le genre « film d’horreur » et dont il a bien aimé le concept -à part pour une fin qui fait visiblement polémique.

- Jika continue de s’assurer qu’on n’oublie de parler ni de Jeux, ni d’IPhone sur Même Esprit. Pour ce mois de mai, c’est une nouvelle fois un jeu de lettres qu’il a mis à l’honneur : Rumble, une sorte de Boggle qui demande à la fois agilité et rapidité, mentales et manuelles.

- Enfin, une fois n’est pas coutume, c’est Stoeffler qui nous a parlé de Séries ce mois-ci, pour sa part toujours plutôt côté animation japonaise, avec l’angoissant Another, de Tsutomu Mizushima, dans un lycée pas fou, fou, fou, mais où il se passe des choses bien étranges quand même.

Au total, pas moins de 20 articles publiés en mai !!! On ne doit pas être loin du record pour Même Esprit !

Mai est passé trop vite pour qu'on aie le temps de vous parler de l'Eurovision !

L’occasion de découvrir ou redécouvrir, la plupart du temps gratuitement, les musées ou expositions du moment à la nuit tombée ! D’ailleurs, certains musées en profitent pour accompagner leur ouverture nocturne de happenings musicaux ou artistiques… Bref, un vrai bon plan sortie !

Pour Paris, quelques idées de parcours éclectiques par quartier :

- Dans le 16e : Palais de Tokyo, Musée Guimet et Musée de la Marine

- Dans le 13e : Cinémathèque française (pour l’expo de Tim Burton il risque d’y avoir foule !) et Musée du Sport, avec des animations et goodies fluo au programme

- Dans le 5e : Musée de la Préfecture de Police (avec concerts), découverte du nouveau musée de l’Institut du Monde Arabe et Grande Galerie de l’Evolution au Muséum d’Histoire Naturelle

L’ouverture nocturne gratuite démarre entre 18h et 20h, pour se terminer entre 23h et 1h, selon les musées.

Par expérience, je recommande plutôt d’investir pour ce type d’événements les petits musées… Moins fréquentés, ils réservent souvent des très bonnes surprises (le musée de Minéralogie des Mines, Rodin, la Pinacothèque…) !

Mais pour ma part, ce soir-là je pense toutefois céder aux sirènes du Grand Palais dans le 8e, avec le triplé d’expositions Helmut Newton, Beauté animale et Monumenta 2012 de Daniel Buren ! En espérant pouvoir me frayer un chemin avec mon gros bidon !

En savoir plus sur le programme complet de la Nuit Européenne des Musées : http://nuitdesmusees.culture.fr/

Judith décapitant Holopherne (1612)

Je suis hyper en retard sur l’écriture de mes articles, et ça doit faire un mois qu’on a vu cette expo sur Artemisia Gentileschi, au Musée Maillol. Comme l’expo s’y tient jusqu’au 15 juillet 2012, il ne sera néanmoins pas trop tard pour vous y rendre si ce billet vous en donne l’envie (ou l’idée).

Artemisia Gentileschi est une artiste Italienne du XVIIe siècle qu’on identifie souvent comme l’une des premières artistes féminines à gagner la reconnaissance de ses pairs et des mécènes et collectionneurs de son temps, et assimilée par là à une figure du féminisme. Après des débuts à Rome aux côtés de son père Orazio (lui-même artiste renommé à l’époque), Artemisia obtient en effet la protection du Grand-duc (et fameux mécène) de Medicis et devient la première femme acceptée à l’Académie du Dessin de Florence, avant de croitre encore en prestige et en influence au point de devenir l’une des chefs de file du style caravagesque (qui accentue les effets de clair-obscur dans les scènes représentées pour en augmenter la puissance et la théâtralité) et finir par diriger son propre atelier à Naples pendant plus de vingt-cinq ans.

Vorti et moi connaissions surtout Artemisia (comme sans doute la majeure partie du grand public) pour sa toile la plus célèbre et la plus impressionnante, Judith décapitant Holopherne (1612). Cette œuvre est bien présente dans l’exposition, avec plusieurs autres toiles fameuses dont notamment plusieurs consacrées au même sujet, mais à différents moments de l’histoire ; la jeune Artemisia avait en effet été violée par son précepteur, et cet événement et le dur procès qui s’en était ensuivi est réputé avoir marqué durablement son style et inspiré notamment cette série de toiles où une femme forte tire sa vengeance de sang-froid sur un ennemi réduit à l’impuissance.

Saint Jérôme, d'Orazio Gentileschi (1611)

On ne retrouvera pas en revanche dans l’exposition parisienne un autre chef-d’œuvre fameux d’Artemisia, Suzanne et les vieillards (1610), dont seule une version d’atelier est proposée ici. Beaucoup d’autres toiles sont en revanches exposées, dont plusieurs qui ne sont pas d’Artemisia elle-même mais soit de ceux qui furent ses élèves, soit d’autres artistes de son temps (dont un très beau Saint-Jérôme (1611) de son père Orazio). En résulte l’impression générale d’une grande inégalité dans l’œuvre de l’artiste, qui apparaît capable du meilleur comme du plutôt passable, et seules très peu de toiles ressortent du lot au final ; personnellement, j’aurais préféré un choix plus restreint, mais mieux centré car pour le coup les toiles annexes ne m’ont pas paru apporter beaucoup à la mise en contexte de l’œuvre d’Artemisia, et elles affaiblissent au contraire pas mal la force des meilleures peintures. La disposition des toiles est aussi assez déconcertante, puisqu’elle suit un schéma vaguement anti-chronologique qui ne semble pas vraiment avoir de pertinence ; c’est très certainement la taille des oeuvres qui a nécessité qu’elles soient placées là où elles le sont (la salle principale du rez-de-chaussée étant notamment plus haute de plafond), mais cette disposition n’aide pas à suivre la trajectoire de l’artiste ni l’évolution de son style et ne sert pas non plus une présentation thématique de son œuvre, ce qui accentue encore l’impression de fourre-tout inégal que donne déjà le choix des peintures exposées. Dommage.

Pour finir néanmoins sur une note positive, c’était sauf erreur de ma part la première fois que je visitais une expo consacrée à l’art classique (plutôt qu’à la photo ou à l’art moderne) au Musée Maillol, et cette visite m’a permis de constater que paradoxalement, en se tournant vers ces arts plus anciens, la fondation s’est aussi modernisée d’une part en repensant ses conditions d’accès, et surtout d’autre part en proposant désormais une application IPhone/IPad HD (vendue 3,99 €) qui remplace avantageusement un audioguide (puisqu’en plus du support plus pratique, cette application propose des reproductions HD de très bonne qualité des œuvres présentées, et que vous pouvez ensuite conserver ce guide et ainsi revoir indéfiniment les œuvres et réécouter les commentaires qui les accompagnaient ; et même si 3,99 € c’est un peu cher pour une appli, mais c’est moins cher que la location d’un audioguide). Une très bonne initiative !

Judith et sa servante (vers 1618)

Judith et sa servante Abra avec la tête d'Holopherne (vers 1640)

- Avril a apparemment été le mois des visites d’Expositions (et encore, j’ai un article en retard qu’il faut que je trouve le temps d’écrire) ! Aya vous a recommandé la rétrospective sur l’œuvre de Tim Burton à la Cinémathèque Française, ainsi que l’expo consacrée à  La Sainte-Anne, l’ultime chef-d’œuvre de Léonard de Vinci, au Louvre. Je suis pour ma part allé voir la dérangeante (et très intéressante à ce titre) expo sur l’œuvre borderline du photographe « Joel-Peter Witkin, Enfer ou Ciel » à la BNF et la moins exceptionnelle rétrospective « Berenice Abbott (1898-1991), Photographies » au Jeu de Paume.

En avril sur Même Esprit, on n'a pas parlé des Présidentielles 2012

- En Musique, Stoeffler a lancé une nouvelle chronique sur les sorties CDs du mois. Et pour bien faire les choses, il vous a parlé des sorties du mois d’avril bien sûr, mais il est aussi revenu sur les mois de janvier, février et mars, qu’il n’avait pas eu le temps de traiter avant. Quant à moi, j’ai poursuivi ma chronique hebdomadaire « La Chanson de la Semaine », et je vous ai ainsi présenté le style original de l’artiste Joseph Arthur sur scène, que j’ai illustré par des versions studios et live de son single Can’t Exist ; puis j’ai consacré un article au glaçant She’s Lost Control de Joy Division. Je vous ai fait écouter la très marrante chanson de Renaud Laisse Béton, et les reprises qu’elle a inspiré ; et enfin Haw, folk-rock western sombre des 16 Horsepower.

- Peu de Cinéma ce mois-ci : Stoeffler s’est payé une toile (enfin, en DVD) et vous a chaudement conseillé l’inventif Attack the Block de Joe Cornish, quand j’ai de mon côté été déçu par Les pirates ! Bons à rien, mauvais en tout, film d’animation humoristique du britannique Peter Lord.

- L’événement approche ! Aya (décidément très prolifique ce mois-ci) a donc profité de l’occasion pour présenter Diablo III aux amateurs de Jeux Vidéos qui ne le connaîtraient pas encore.

- On a certes moins vu Stoeffler sur Même Esprit ce mois-ci, mais c’est parce qu’il revenait d’un Voyage en Jordanie, dont il nous a raconté la première partie (on attend la deuxième, mec !).

Voilà, du coup je crois qu’on a parlé de tout ce dont il fallait parler en avril, non ?

Vue de nuit, New York (1932) - certes, c'est une très belle photo ; mais bon, c'est New York, de nuit : pas besoin d'être magicien non plus...

Berenice Abbott (1898-1991) est une photographe américaine, et cette exposition au Jeu de Paume à Paris propose une rétrospective de son travail au travers de plus de 120 photographies (toutes en Noir et Blanc).

On suit ainsi l’évolution de la carrière de la photographe, qui s’est dans une première période consacrée à la réalisation de portraits, essentiellement du milieu intellectuel et artistique New-Yorkais et Parisien, avant de s’intéresser dans les années 30 à l’urbanisme et l’architecture de New-York alors en pleine transformation, pour ce qui restera comme son œuvre majeure : la publication d’un livre de photos intitulé Changing New York (1935-1939). Enfin, l’exposition consacre tout un espace à ses photographies scientifiques, Abbott ayant en effet rejoint le M.I.T. de Boston dans les années 50 et explorant alors à la fois les qualités pédagogiques de l’illustration pour comprendre certains phénomènes scientifiques, et en même temps les qualités esthétiques insoupçonnables de la matérialisation de ces phénomènes.

Je ne sais pas si c’est parce que nous avons visité l’expo avec le Dr Pierre Kerner (moteur infatigable de la divulgation scientifique sur le Net via son blog SSAFT et via la plateforme Strip Science, justement dédiée au thème de la science en images), mais c’est cette dernière partie de l’exposition que j’ai trouvé la plus intéressante, parce que la plus inattendue et la plus originale ; les photos de Berenice Abbott y deviennent abstraites et expérimentales alors que le reste de son travail n’est que documentaire et platement réaliste, et manque à mon goût cruellement de ce qui me ferait qualifier son œuvre, d’art.

Motif d'interférence (1958-1961)

L’ambition de l’exposition au Jeu de Paume était de montrer à la fois la diversité de sa production, et l’unicité de la démarche d’Abbott, restée attachée au réalisme documentaire tout au long de sa carrière. Ces deux paris sont certes réussis, mais n’ont clairement pas suffi à générer un quelconque enthousiasme chez moi. L’exposition se tenait du 21 février au 29 avril 2012, et ça fait déjà plusieurs semaines que nous nous y sommes rendus, mais c’est ce manque d’intérêt qui m’a fait n’écrire qu’aujourd’hui, et encore uniquement pour que je puisse, moi, me souvenir plus tard que j’y suis passé ; il est trop tard pour que vous puissiez la visiter à votre tour, mais sincèrement, vous n’aurez pas manqué grand chose (j’ai dû retenir deux images de cette visite).

L’artiste ne se contente pas en effet de tirer ses photos (toujours en noir et blanc) et de les encadrer telles qu’elles : il triture, griffe les négatifs, soumets ses photos à des traitements chimiques ou encore les macule, ce qui leur donne un aspect très distinctif, plus proche de la série de tableaux torturés de Francis Bacon sur le Pape Innocent X (que j’adore), que de la plupart des photos d’art modernes qui elles, sont le plus souvent lisses et aspirent à une certaine forme de « beauté ».

De beauté, il n’est pas vraiment question avec Joel-Peter Witkin, bien que l’artiste revendique le contraire et que les personnes avec lesquelles j’ai effectué ma visite de l’exposition qui se tient actuellement à Paris à la BNF (Site Richelieu) me certifient qu’elles ont trouvé belles certaines de ses œuvres. Pour tout dire, le premier contact avec les images de Witkin est tellement rugueux que ma réaction a d’abord été un rejet assez massif, et viscéral.

C’est que l’artiste assemble dans ses compositions des éléments disparates et baroques qu’on n’est pas forcément habitués à se voir jeter comme ça au visage. La BNF met en garde ses visiteurs en signalant que certaines des œuvres peuvent heurter un public sensible, je ne saurais trop m’associer à cet avertissement : cette exposition n’est PAS pour tous les publics, les enfants risqueraient notamment à mon avis d’en sortir pas mal chamboulés.

Poussin aux enfers (1999)

Joel-Peter Witkin aime en effet les monstres, ceux que depuis le film culte de Tod Browning on appelle les « freaks » : les êtres difformes, les nains, les hermaphrodites… Il crée même parfois lui-même ses propres monstres, quitte à adjoindre des accessoires à ses modèles ou à manipuler l’image après la prise de vue pour obtenir les déformations ou les bizarreries qu’il laisse son esprit inventer. Mais il a aussi un amour du morbide, qui le voit parsemer ses créations de cadavres, de fragments de corps humains, qui font monter d’un cran le degré de sordide des scènes présentées ; le dernier degré étant atteint par la surreprésentation du sexe, notamment dans ses aspects les plus pervers (sadomasochisme, zoophilie,…). Et comme ces trois éléments (monstruosité, morbide, sexe) sont la matière de l’intégralité de ses œuvres, malgré la fascination qu’exercent parfois ces images, j’ai atteint assez rapidement la saturation, concluant alors que le type qui se complaisait dans cette imagerie nauséabonde était juste un tordu avec un univers bien restreint, en plus d’être insupportable.

A ce moment-là en fait, le travail de Witkin me faisait penser aux illustrations d’un jeu de rôle auquel je m’étais adonné dans mon adolescence, Kult. Le problème c’est qu’entre les illustrations qu’un ado trouve plaisamment glauques dans un bouquin de jeu de rôle et d’authentiques œuvres d’art, il y a un monde !

Portraits from the Afterworld (1994)

Heureusement, quoi qu’on puisse penser de l’œuvre de Joel-Peter Witkin, il y a une qualité qu’on ne peut retirer à cette exposition : c’est sa scénographie. En l’occurrence, alors que les photos de l’artiste sont exposés sur les murs de la longue salle de la Galerie Mansart, d’autres œuvres plus classiques leur font écho sur des panneaux disposés, eux, entre ces murs. Les gravures, estampes et eaux-fortes sélectionnées transforment complètement le point de vue qu’on pourrait avoir sur le travail de Witkin : oui, ses photos donnent à voir des créatures et des scènes monstrueuses, mais n’en trouve-t-on pas dans quantité d’œuvres classiques (Goya, Bosch, pour n’en citer que deux des plus célèbres) sans en être choqué le moins du monde ? Oui, les photos de Witkin présentent parfois des scènes de torture ou de cruauté physique difficilement soutenable ; mais une seule représentation de la Crucifixion remet complètement en perspective le jugement qu’on pourrait avoir sur la moralité de ce choix. La sexualité perverse ? Les œuvres classiques qui illustrent les thèmes mythologiques regorgent de nymphes violées, de femmes lubriques prises par des dieux revêtant l’apparence d’animaux… L’eau forte de Goya présentée en préambule nous en avertissait bien : Le sommeil de la raison engendre des monstres, et ces horreurs que nous offre Witkin ne sont que des exemples des délires que peut en faire naître l’imagination quand nous mettons en silence réflexion, conscience et culture, et ce sont des démons (ou des délices) qui n’ont pas d’âge.

Mettre en parallèle les photos de Witkin et ce choix d’œuvres classiques est donc une façon brillante de montrer que ce qui nous choque aujourd’hui dans ces photos n’est pas leur sujet, mais leur support, qui nous les fait percevoir sans le filtre neutralisant de la culture « autorisée » et redonne par là à ces sujets toute leur force. Inversement, une fois ce voile levé, on regarde à nouveaux les œuvres classiques pour ce qu’elles montrent réellement, et on s’étonne d’avoir considéré d’un oeil si blasé ces images qui, à leur époque, avaient dû produire sur leur public la même impression terrifiante, révulsante, bouleversante que celles de Witkin sur nous aujourd’hui.

Cette exposition à la BNF est donc remarquable à double titre : par l’intelligence de sa construction d’une part, mais aussi par les émotions que les œuvres qu’elle expose provoquent chez ses visiteurs : ça faisait longtemps que je n’étais pas ressorti d’une exposition avec une impression aussi forte, et avec en même temps autant de choses à réfléchir. L’expo se tient du 27 mars au 1er Juillet 2012 ; il ne faut pas y emmener les enfants, mais c’est sinon une visite que je recommande vraiment si vous n’êtes pas une âme trop sensible.

Le Festin des Fous (1990)

Ps. Pour l’anecdote, il y a en fin d’exposition une vidéo-interview de Witkin, qui change une fois encore le point de vue qu’on peut avoir sur l’artiste : il y apparaît comme un type bizarre, c’est sûr, mais moins comme un sordide pervers que comme un gentil fêlé, qui voit simplement de la beauté dans des choses que la culture nous pousse habituellement à considérer comme laides ou écœurantes. Pour l’anecdote, on y apprend en passant que ce qu’on prenait comme des montages et des trucages est en réalité parfaitement authentique : Witkin effectue en effet régulièrement des escapades dans des pays dont la législation en la matière est plus souple pour pouvoir collecter… les véritables cadavres et bouts de corps humains qui parsèment ses compositions ! (ça fait regarder d’un autre oeil cette dernière illustration, hein ?)

D’ailleurs à ce propos, il faut savoir qu’Anne enfanta Marie avec son premier mari Joachim, enfanta Marie Jacobé (avec son deuxième mari, Cléophas, frère de Joachim) et enfin enfanta avec Salomé, son troisième époux, Marie Salomé.  Continuons un peu dans cette généalogie passionnante (si si, vous allez comprendre). Marie Jacobé enfanta Jacques le Mineur, Joseph le juste, Simon le Zélote et Jude. De son côté Marie Salomé enfanta Jacques le Majeur et Saint-Jean l’évangéliste. Vous ne faites toujours pas le rapprochement ? Certains des Apôtres du Christ n’était autre que ses cousins (ou demi-cousins pour être plus précis)

Carton préparatoire de la National Gallery

Après cette petite leçon de catéchisme, passons maintenant à l’oeuvre. Son véritable intitulé est en fait La Vierge, l’Enfant Jésus et saint Anne qu’on peut aussi qualifier de sainte Anne trinitaire. Cette oeuvre fut commandée à Léonard de Vinci vers 1501 par un noble florentin (on n’a pas de précision sur son identité). Le début de l’exposition commence par la présentation de multiples esquisses et croquis sur les différentes parties du futur tableau : les membres et la posture de chaque personnage, leurs contacts, les études faites sur l’arrière plan de la toile la toile finale. On peut donc voir les différentes orientations prises par l’artiste au cours de la réalisation de l’oeuvre : une première version avec saint Jean-Baptiste, une autre où Marie retient Jésus grâce à un linge. Après ces esquisses nous sont exposés un grand nombre de tableau dont la plupart ont été peints par les élèves de Leonard de Vinci, comme des versions préparatoires. Mais il y a aussi des tableaux d’autre peintres contemporains de de Vinci qui s’étaient inspirés de cet oeuvre ( à l’époque, la notion de plagiat n’existait pas vraiment). Puis au bout de cette allée de tableau est exposé l’oeuvre finale…non finalisée à côté du carton préparatoire exposé à la national gallery de Londres.

L’oeuvre montre donc sainte Anne qui retient le vierge qui elle même retient l’enfant vers l’agneau, symbole du sacrifice. Leonard ne cessa de perfectionner cette oeuvre jusqu’à sa mort en 1519. A cette époque, Leonard était à la cour de François 1er avec ce tableau ainsi que la Joconde qui passèrent donc tous deux à la couronne de France.  Difficilement visibles sur un écran d’ordinateur, l’observateur averti pourra apercevoir sur la toile certaines parties de l’oeuvre inachevée : les montagnes de l’arrière plan ainsi les plis sur la partie bleue de la robe de Marie notamment. Les responsables de l’exposition ont pu aussi découvrir au dos de la toile des traces de dessins ( une tête de cheval, un dessin d’enfant et un crâne) en décrochant la toile de l’exposition permanente.

La restauration très délicate (il y avait initialement 8 couches de vernis) a duré 8 ans et a été possible grâce à de nombreux appareils d’analyse. La couleur bleu de la robe a ainsi pu être restituée :grâce à ces appareils on a pu s’apercevoir que Léonard de Vinci avait d’abord mis une couche de rouge puis de noir et ensuite de bleu pour la robe. Or le rouge était très long à sécher. Celui-ci n’ayant pas attendu assez longtemps, le rouge en séchant a formé comme un craquèlement sur la robe. La restauration se termina au niveau des visages avec une extrême minutie du fait de leur importance.

L'oeuvre restaurée

La suite de l’exposition montre l’influence qu’a eu cette oeuvre au  cours du temps. Raphaël, Degas, Odilon Redon mais aussi Freud qui interpréta cette oeuvre pour montrer la preuve de l’homosexualité de de Vinci (Un souvenir d’enfance de Leonard de Vinci). Certains de ces derniers tableaux ne m’ont vraiment pas plu, pour ne pas dire plus et ont mis un peu plus en lumière le génie de Leonard de Vinci.

Après cet article vous aurez compris que j’ai beaucoup aimé cette exposition qui analyse une oeuvre d’une manière aussi complète et détaillée.Celle-ci se terminant dans un peu plus de 2 mois, vous n’aurez aucune excuse pour ne pas y aller.