Un petit post flash pour vous informer ou vous rappeler que la Nuit Européenne des Musées, c’est ce samedi 19 mai que ça se passe !

L’occasion de découvrir ou redécouvrir, la plupart du temps gratuitement, les musées ou expositions du moment à la nuit tombée ! D’ailleurs, certains musées en profitent pour accompagner leur ouverture nocturne de happenings musicaux ou artistiques… Bref, un vrai bon plan sortie !

Pour Paris, quelques idées de parcours éclectiques par quartier :

- Dans le 16e : Palais de Tokyo, Musée Guimet et Musée de la Marine

- Dans le 13e : Cinémathèque française (pour l’expo de Tim Burton il risque d’y avoir foule !) et Musée du Sport, avec des animations et goodies fluo au programme

- Dans le 5e : Musée de la Préfecture de Police (avec concerts), découverte du nouveau musée de l’Institut du Monde Arabe et Grande Galerie de l’Evolution au Muséum d’Histoire Naturelle

L’ouverture nocturne gratuite démarre entre 18h et 20h, pour se terminer entre 23h et 1h, selon les musées.

Par expérience, je recommande plutôt d’investir pour ce type d’événements les petits musées… Moins fréquentés, ils réservent souvent des très bonnes surprises (le musée de Minéralogie des Mines, Rodin, la Pinacothèque…) !

Mais pour ma part, ce soir-là je pense toutefois céder aux sirènes du Grand Palais dans le 8e, avec le triplé d’expositions Helmut Newton, Beauté animale et Monumenta 2012 de Daniel Buren ! En espérant pouvoir me frayer un chemin avec mon gros bidon !

En savoir plus sur le programme complet de la Nuit Européenne des Musées : http://nuitdesmusees.culture.fr/

Judith décapitant Holopherne (1612)

Je suis hyper en retard sur l’écriture de mes articles, et ça doit faire un mois qu’on a vu cette expo sur Artemisia Gentileschi, au Musée Maillol. Comme l’expo s’y tient jusqu’au 15 juillet 2012, il ne sera néanmoins pas trop tard pour vous y rendre si ce billet vous en donne l’envie (ou l’idée).

Artemisia Gentileschi est une artiste Italienne du XVIIe siècle qu’on identifie souvent comme l’une des premières artistes féminines à gagner la reconnaissance de ses pairs et des mécènes et collectionneurs de son temps, et assimilée par là à une figure du féminisme. Après des débuts à Rome aux côtés de son père Orazio (lui-même artiste renommé à l’époque), Artemisia obtient en effet la protection du Grand-duc (et fameux mécène) de Medicis et devient la première femme acceptée à l’Académie du Dessin de Florence, avant de croitre encore en prestige et en influence au point de devenir l’une des chefs de file du style caravagesque (qui accentue les effets de clair-obscur dans les scènes représentées pour en augmenter la puissance et la théâtralité) et finir par diriger son propre atelier à Naples pendant plus de vingt-cinq ans.

Vorti et moi connaissions surtout Artemisia (comme sans doute la majeure partie du grand public) pour sa toile la plus célèbre et la plus impressionnante, Judith décapitant Holopherne (1612). Cette œuvre est bien présente dans l’exposition, avec plusieurs autres toiles fameuses dont notamment plusieurs consacrées au même sujet, mais à différents moments de l’histoire ; la jeune Artemisia avait en effet été violée par son précepteur, et cet événement et le dur procès qui s’en était ensuivi est réputé avoir marqué durablement son style et inspiré notamment cette série de toiles où une femme forte tire sa vengeance de sang-froid sur un ennemi réduit à l’impuissance.

Saint Jérôme, d'Orazio Gentileschi (1611)

On ne retrouvera pas en revanche dans l’exposition parisienne un autre chef-d’œuvre fameux d’Artemisia, Suzanne et les vieillards (1610), dont seule une version d’atelier est proposée ici. Beaucoup d’autres toiles sont en revanches exposées, dont plusieurs qui ne sont pas d’Artemisia elle-même mais soit de ceux qui furent ses élèves, soit d’autres artistes de son temps (dont un très beau Saint-Jérôme (1611) de son père Orazio). En résulte l’impression générale d’une grande inégalité dans l’œuvre de l’artiste, qui apparaît capable du meilleur comme du plutôt passable, et seules très peu de toiles ressortent du lot au final ; personnellement, j’aurais préféré un choix plus restreint, mais mieux centré car pour le coup les toiles annexes ne m’ont pas paru apporter beaucoup à la mise en contexte de l’œuvre d’Artemisia, et elles affaiblissent au contraire pas mal la force des meilleures peintures. La disposition des toiles est aussi assez déconcertante, puisqu’elle suit un schéma vaguement anti-chronologique qui ne semble pas vraiment avoir de pertinence ; c’est très certainement la taille des oeuvres qui a nécessité qu’elles soient placées là où elles le sont (la salle principale du rez-de-chaussée étant notamment plus haute de plafond), mais cette disposition n’aide pas à suivre la trajectoire de l’artiste ni l’évolution de son style et ne sert pas non plus une présentation thématique de son œuvre, ce qui accentue encore l’impression de fourre-tout inégal que donne déjà le choix des peintures exposées. Dommage.

Pour finir néanmoins sur une note positive, c’était sauf erreur de ma part la première fois que je visitais une expo consacrée à l’art classique (plutôt qu’à la photo ou à l’art moderne) au Musée Maillol, et cette visite m’a permis de constater que paradoxalement, en se tournant vers ces arts plus anciens, la fondation s’est aussi modernisée d’une part en repensant ses conditions d’accès, et surtout d’autre part en proposant désormais une application IPhone/IPad HD (vendue 3,99 €) qui remplace avantageusement un audioguide (puisqu’en plus du support plus pratique, cette application propose des reproductions HD de très bonne qualité des œuvres présentées, et que vous pouvez ensuite conserver ce guide et ainsi revoir indéfiniment les œuvres et réécouter les commentaires qui les accompagnaient ; et même si 3,99 € c’est un peu cher pour une appli, mais c’est moins cher que la location d’un audioguide). Une très bonne initiative !

Judith et sa servante (vers 1618)

Judith et sa servante Abra avec la tête d'Holopherne (vers 1640)

J’étais parti pour ne pas écrire de récap pour le mois d’avril parce que, n’ayant pas eu de retour sur ces articles de synthèse, je ne savais pas s’ils avaient un quelconque intérêt pour nos lecteurs, mais finalement, vu qu’on me l’a réclamé, le voici !

- Avril a apparemment été le mois des visites d’Expositions (et encore, j’ai un article en retard qu’il faut que je trouve le temps d’écrire) ! Aya vous a recommandé la rétrospective sur l’œuvre de Tim Burton à la Cinémathèque Française, ainsi que l’expo consacrée à  La Sainte-Anne, l’ultime chef-d’œuvre de Léonard de Vinci, au Louvre. Je suis pour ma part allé voir la dérangeante (et très intéressante à ce titre) expo sur l’œuvre borderline du photographe « Joel-Peter Witkin, Enfer ou Ciel » à la BNF et la moins exceptionnelle rétrospective « Berenice Abbott (1898-1991), Photographies » au Jeu de Paume.

En avril sur Même Esprit, on n'a pas parlé des Présidentielles 2012

- En Musique, Stoeffler a lancé une nouvelle chronique sur les sorties CDs du mois. Et pour bien faire les choses, il vous a parlé des sorties du mois d’avril bien sûr, mais il est aussi revenu sur les mois de janvier, février et mars, qu’il n’avait pas eu le temps de traiter avant. Quant à moi, j’ai poursuivi ma chronique hebdomadaire « La Chanson de la Semaine », et je vous ai ainsi présenté le style original de l’artiste Joseph Arthur sur scène, que j’ai illustré par des versions studios et live de son single Can’t Exist ; puis j’ai consacré un article au glaçant She’s Lost Control de Joy Division. Je vous ai fait écouter la très marrante chanson de Renaud Laisse Béton, et les reprises qu’elle a inspiré ; et enfin Haw, folk-rock western sombre des 16 Horsepower.

- Peu de Cinéma ce mois-ci : Stoeffler s’est payé une toile (enfin, en DVD) et vous a chaudement conseillé l’inventif Attack the Block de Joe Cornish, quand j’ai de mon côté été déçu par Les pirates ! Bons à rien, mauvais en tout, film d’animation humoristique du britannique Peter Lord.

- L’événement approche ! Aya (décidément très prolifique ce mois-ci) a donc profité de l’occasion pour présenter Diablo III aux amateurs de Jeux Vidéos qui ne le connaîtraient pas encore.

- On a certes moins vu Stoeffler sur Même Esprit ce mois-ci, mais c’est parce qu’il revenait d’un Voyage en Jordanie, dont il nous a raconté la première partie (on attend la deuxième, mec !).

Voilà, du coup je crois qu’on a parlé de tout ce dont il fallait parler en avril, non ?

Vue de nuit, New York (1932) - certes, c'est une très belle photo ; mais bon, c'est New York, de nuit : pas besoin d'être magicien non plus...

Berenice Abbott (1898-1991) est une photographe américaine, et cette exposition au Jeu de Paume à Paris propose une rétrospective de son travail au travers de plus de 120 photographies (toutes en Noir et Blanc).

On suit ainsi l’évolution de la carrière de la photographe, qui s’est dans une première période consacrée à la réalisation de portraits, essentiellement du milieu intellectuel et artistique New-Yorkais et Parisien, avant de s’intéresser dans les années 30 à l’urbanisme et l’architecture de New-York alors en pleine transformation, pour ce qui restera comme son œuvre majeure : la publication d’un livre de photos intitulé Changing New York (1935-1939). Enfin, l’exposition consacre tout un espace à ses photographies scientifiques, Abbott ayant en effet rejoint le M.I.T. de Boston dans les années 50 et explorant alors à la fois les qualités pédagogiques de l’illustration pour comprendre certains phénomènes scientifiques, et en même temps les qualités esthétiques insoupçonnables de la matérialisation de ces phénomènes.

Je ne sais pas si c’est parce que nous avons visité l’expo avec le Dr Pierre Kerner (moteur infatigable de la divulgation scientifique sur le Net via son blog SSAFT et via la plateforme Strip Science, justement dédiée au thème de la science en images), mais c’est cette dernière partie de l’exposition que j’ai trouvé la plus intéressante, parce que la plus inattendue et la plus originale ; les photos de Berenice Abbott y deviennent abstraites et expérimentales alors que le reste de son travail n’est que documentaire et platement réaliste, et manque à mon goût cruellement de ce qui me ferait qualifier son œuvre, d’art.

Motif d'interférence (1958-1961)

L’ambition de l’exposition au Jeu de Paume était de montrer à la fois la diversité de sa production, et l’unicité de la démarche d’Abbott, restée attachée au réalisme documentaire tout au long de sa carrière. Ces deux paris sont certes réussis, mais n’ont clairement pas suffi à générer un quelconque enthousiasme chez moi. L’exposition se tenait du 21 février au 29 avril 2012, et ça fait déjà plusieurs semaines que nous nous y sommes rendus, mais c’est ce manque d’intérêt qui m’a fait n’écrire qu’aujourd’hui, et encore uniquement pour que je puisse, moi, me souvenir plus tard que j’y suis passé ; il est trop tard pour que vous puissiez la visiter à votre tour, mais sincèrement, vous n’aurez pas manqué grand chose (j’ai dû retenir deux images de cette visite).

La première chose à laquelle j’ai pensé en voyant les premières œuvres du photographe américain Joel-Peter Witkin, c’est que j’aimais bien son traitement de l’image, et notamment du cadre.

L’artiste ne se contente pas en effet de tirer ses photos (toujours en noir et blanc) et de les encadrer telles qu’elles : il triture, griffe les négatifs, soumets ses photos à des traitements chimiques ou encore les macule, ce qui leur donne un aspect très distinctif, plus proche de la série de tableaux torturés de Francis Bacon sur le Pape Innocent X (que j’adore), que de la plupart des photos d’art modernes qui elles, sont le plus souvent lisses et aspirent à une certaine forme de « beauté ».

De beauté, il n’est pas vraiment question avec Joel-Peter Witkin, bien que l’artiste revendique le contraire et que les personnes avec lesquelles j’ai effectué ma visite de l’exposition qui se tient actuellement à Paris à la BNF (Site Richelieu) me certifient qu’elles ont trouvé belles certaines de ses œuvres. Pour tout dire, le premier contact avec les images de Witkin est tellement rugueux que ma réaction a d’abord été un rejet assez massif, et viscéral.

C’est que l’artiste assemble dans ses compositions des éléments disparates et baroques qu’on n’est pas forcément habitués à se voir jeter comme ça au visage. La BNF met en garde ses visiteurs en signalant que certaines des œuvres peuvent heurter un public sensible, je ne saurais trop m’associer à cet avertissement : cette exposition n’est PAS pour tous les publics, les enfants risqueraient notamment à mon avis d’en sortir pas mal chamboulés.

Poussin aux enfers (1999)

Joel-Peter Witkin aime en effet les monstres, ceux que depuis le film culte de Tod Browning on appelle les « freaks » : les êtres difformes, les nains, les hermaphrodites… Il crée même parfois lui-même ses propres monstres, quitte à adjoindre des accessoires à ses modèles ou à manipuler l’image après la prise de vue pour obtenir les déformations ou les bizarreries qu’il laisse son esprit inventer. Mais il a aussi un amour du morbide, qui le voit parsemer ses créations de cadavres, de fragments de corps humains, qui font monter d’un cran le degré de sordide des scènes présentées ; le dernier degré étant atteint par la surreprésentation du sexe, notamment dans ses aspects les plus pervers (sadomasochisme, zoophilie,…). Et comme ces trois éléments (monstruosité, morbide, sexe) sont la matière de l’intégralité de ses œuvres, malgré la fascination qu’exercent parfois ces images, j’ai atteint assez rapidement la saturation, concluant alors que le type qui se complaisait dans cette imagerie nauséabonde était juste un tordu avec un univers bien restreint, en plus d’être insupportable.

A ce moment-là en fait, le travail de Witkin me faisait penser aux illustrations d’un jeu de rôle auquel je m’étais adonné dans mon adolescence, Kult. Le problème c’est qu’entre les illustrations qu’un ado trouve plaisamment glauques dans un bouquin de jeu de rôle et d’authentiques œuvres d’art, il y a un monde !

Portraits from the Afterworld (1994)

Heureusement, quoi qu’on puisse penser de l’œuvre de Joel-Peter Witkin, il y a une qualité qu’on ne peut retirer à cette exposition : c’est sa scénographie. En l’occurrence, alors que les photos de l’artiste sont exposés sur les murs de la longue salle de la Galerie Mansart, d’autres œuvres plus classiques leur font écho sur des panneaux disposés, eux, entre ces murs. Les gravures, estampes et eaux-fortes sélectionnées transforment complètement le point de vue qu’on pourrait avoir sur le travail de Witkin : oui, ses photos donnent à voir des créatures et des scènes monstrueuses, mais n’en trouve-t-on pas dans quantité d’œuvres classiques (Goya, Bosch, pour n’en citer que deux des plus célèbres) sans en être choqué le moins du monde ? Oui, les photos de Witkin présentent parfois des scènes de torture ou de cruauté physique difficilement soutenable ; mais une seule représentation de la Crucifixion remet complètement en perspective le jugement qu’on pourrait avoir sur la moralité de ce choix. La sexualité perverse ? Les œuvres classiques qui illustrent les thèmes mythologiques regorgent de nymphes violées, de femmes lubriques prises par des dieux revêtant l’apparence d’animaux… L’eau forte de Goya présentée en préambule nous en avertissait bien : Le sommeil de la raison engendre des monstres, et ces horreurs que nous offre Witkin ne sont que des exemples des délires que peut en faire naître l’imagination quand nous mettons en silence réflexion, conscience et culture, et ce sont des démons (ou des délices) qui n’ont pas d’âge.

Mettre en parallèle les photos de Witkin et ce choix d’œuvres classiques est donc une façon brillante de montrer que ce qui nous choque aujourd’hui dans ces photos n’est pas leur sujet, mais leur support, qui nous les fait percevoir sans le filtre neutralisant de la culture « autorisée » et redonne par là à ces sujets toute leur force. Inversement, une fois ce voile levé, on regarde à nouveaux les œuvres classiques pour ce qu’elles montrent réellement, et on s’étonne d’avoir considéré d’un oeil si blasé ces images qui, à leur époque, avaient dû produire sur leur public la même impression terrifiante, révulsante, bouleversante que celles de Witkin sur nous aujourd’hui.

Cette exposition à la BNF est donc remarquable à double titre : par l’intelligence de sa construction d’une part, mais aussi par les émotions que les œuvres qu’elle expose provoquent chez ses visiteurs : ça faisait longtemps que je n’étais pas ressorti d’une exposition avec une impression aussi forte, et avec en même temps autant de choses à réfléchir. L’expo se tient du 27 mars au 1er Juillet 2012 ; il ne faut pas y emmener les enfants, mais c’est sinon une visite que je recommande vraiment si vous n’êtes pas une âme trop sensible.

Le Festin des Fous (1990)

Ps. Pour l’anecdote, il y a en fin d’exposition une vidéo-interview de Witkin, qui change une fois encore le point de vue qu’on peut avoir sur l’artiste : il y apparaît comme un type bizarre, c’est sûr, mais moins comme un sordide pervers que comme un gentil fêlé, qui voit simplement de la beauté dans des choses que la culture nous pousse habituellement à considérer comme laides ou écœurantes. Pour l’anecdote, on y apprend en passant que ce qu’on prenait comme des montages et des trucages est en réalité parfaitement authentique : Witkin effectue en effet régulièrement des escapades dans des pays dont la législation en la matière est plus souple pour pouvoir collecter… les véritables cadavres et bouts de corps humains qui parsèment ses compositions ! (ça fait regarder d’un autre oeil cette dernière illustration, hein ?)

J’ai eu la chance de visiter cette exposition il y a quelques semaines (avant l’ouverture officielle de l’exposition en fait). Pour être franc j’avais déjà vu cette oeuvre en photo mais sans y prêter plus d’attention que çà. Et pour pousser la franchise jusqu’au bout, je ne savais pas qui était cette Sainte Anne… Alors pour ceux qui comme moi avoueraient secrètement leur ignorance, la dénommée Anne qui sera canonisé plus tard n’est autre que la mère de la sainte Vierge.

D’ailleurs à ce propos, il faut savoir qu’Anne enfanta Marie avec son premier mari Joachim, enfanta Marie Jacobé (avec son deuxième mari, Cléophas, frère de Joachim) et enfin enfanta avec Salomé, son troisième époux, Marie Salomé.  Continuons un peu dans cette généalogie passionnante (si si, vous allez comprendre). Marie Jacobé enfanta Jacques le Mineur, Joseph le juste, Simon le Zélote et Jude. De son côté Marie Salomé enfanta Jacques le Majeur et Saint-Jean l’évangéliste. Vous ne faites toujours pas le rapprochement ? Certains des Apôtres du Christ n’était autre que ses cousins (ou demi-cousins pour être plus précis)

Carton préparatoire de la National Gallery

Après cette petite leçon de catéchisme, passons maintenant à l’oeuvre. Son véritable intitulé est en fait La Vierge, l’Enfant Jésus et saint Anne qu’on peut aussi qualifier de sainte Anne trinitaire. Cette oeuvre fut commandée à Léonard de Vinci vers 1501 par un noble florentin (on n’a pas de précision sur son identité). Le début de l’exposition commence par la présentation de multiples esquisses et croquis sur les différentes parties du futur tableau : les membres et la posture de chaque personnage, leurs contacts, les études faites sur l’arrière plan de la toile la toile finale. On peut donc voir les différentes orientations prises par l’artiste au cours de la réalisation de l’oeuvre : une première version avec saint Jean-Baptiste, une autre où Marie retient Jésus grâce à un linge. Après ces esquisses nous sont exposés un grand nombre de tableau dont la plupart ont été peints par les élèves de Leonard de Vinci, comme des versions préparatoires. Mais il y a aussi des tableaux d’autre peintres contemporains de de Vinci qui s’étaient inspirés de cet oeuvre ( à l’époque, la notion de plagiat n’existait pas vraiment). Puis au bout de cette allée de tableau est exposé l’oeuvre finale…non finalisée à côté du carton préparatoire exposé à la national gallery de Londres.

L’oeuvre montre donc sainte Anne qui retient le vierge qui elle même retient l’enfant vers l’agneau, symbole du sacrifice. Leonard ne cessa de perfectionner cette oeuvre jusqu’à sa mort en 1519. A cette époque, Leonard était à la cour de François 1er avec ce tableau ainsi que la Joconde qui passèrent donc tous deux à la couronne de France.  Difficilement visibles sur un écran d’ordinateur, l’observateur averti pourra apercevoir sur la toile certaines parties de l’oeuvre inachevée : les montagnes de l’arrière plan ainsi les plis sur la partie bleue de la robe de Marie notamment. Les responsables de l’exposition ont pu aussi découvrir au dos de la toile des traces de dessins ( une tête de cheval, un dessin d’enfant et un crâne) en décrochant la toile de l’exposition permanente.

La restauration très délicate (il y avait initialement 8 couches de vernis) a duré 8 ans et a été possible grâce à de nombreux appareils d’analyse. La couleur bleu de la robe a ainsi pu être restituée :grâce à ces appareils on a pu s’apercevoir que Léonard de Vinci avait d’abord mis une couche de rouge puis de noir et ensuite de bleu pour la robe. Or le rouge était très long à sécher. Celui-ci n’ayant pas attendu assez longtemps, le rouge en séchant a formé comme un craquèlement sur la robe. La restauration se termina au niveau des visages avec une extrême minutie du fait de leur importance.

L'oeuvre restaurée

La suite de l’exposition montre l’influence qu’a eu cette oeuvre au  cours du temps. Raphaël, Degas, Odilon Redon mais aussi Freud qui interpréta cette oeuvre pour montrer la preuve de l’homosexualité de de Vinci (Un souvenir d’enfance de Leonard de Vinci). Certains de ces derniers tableaux ne m’ont vraiment pas plu, pour ne pas dire plus et ont mis un peu plus en lumière le génie de Leonard de Vinci.

Après cet article vous aurez compris que j’ai beaucoup aimé cette exposition qui analyse une oeuvre d’une manière aussi complète et détaillée.Celle-ci se terminant dans un peu plus de 2 mois, vous n’aurez aucune excuse pour ne pas y aller.

Je ne suis pas un fan absolu de Tim Burton, j’ai apprécié certains de ses films ( Ed Wood, Sleepy Hollow, Batman, Batman le défi et l’étrange Noël de monsieur Jack), beaucoup moins apprécié d’autres ( Beetlejuice, Alice au pays des merveilles) et je n’ai pas vu des musts (Edward aux mains d’argent ou Noces funèbres). Néanmoins, explorer les méandres de l’esprit de ce fascinant réalisateur ne me paraissait pas dénué d’intérêt. C’est donc sur cette exposition que s’est porté mon choix pour mon expédition culturelle du mois avec une amie.

Il est pas trop mimi ?

L’exposition, produite par le MoMa ( çà paraît tellement logique), est divisée en deux parties. Dans la première partie, une quantité assez importante de ses illustrations et sculptures en résine sont exposées. Ces illustrations diverses et variées traitent de l’homme, de la femme, du couple, das animaux, des monstres, des clowns. Comme me le faisait remarquer mon amie à juste titre, ces illustrations surprenantes ne sont pas pour autant troublantes (comme peuvent l’être les oeuvres  d’Odilon Redon (que nous étions allés voir au Grand Palais il y quelques mois) par exemple) : il y a toujours un détail, une colorisation particulière qui fait que ces illustrations « monstrueuses » ont quelque chose de drôle, d’amusant et entraîne parfois la compassion de l’observateur comme celles du « chien-rat ». A côté de ces illustrations, on découvre aussi quelques sculptures en résine comme cet arbre aux yeux impressionnant et aussi, des personnages de ses films d’animation, comme celles des noces funèbres, particulièrement réussies.

Vincent

La deuxième partie traite de sa vie en générale et de sa carrière de réalisateur. Né à Burbank en Californie, ville déprimante au possible pour le jeune Tim, celui-ci se réfugie dans ses dessins et ses histoire. Se développea lors, cette »adoration » pour les monstres auxquels il s’identifie : incompris, marginaux comme lui.Plus tard, il propose un dessin animé à Disney. Ce dernier est refusé mais on l’encourage à continuer sur cette voix. Quelques temps plus tard il rentre chez Disney. Ses débuts sont difficiles et ses projets  souvent rejetés. Il quitte alors les studios de Mickey pour se lancer véritablement avec son premier film,  Pee-Wee’s big adventure : Pee-wee se prépare à passer une journée avec l’amour de sa vie, sa bicyclette. Celle-ci ayant été volée, Pee-Wee va passer une journée pleines d’aventures pour retrouver sa dulcinée. Il enchaîne alors sur Beetlejuice puis Batman et enchaîner les films à succès que l’on connaît. En marge des ces films, on  peut aussi visionner certains de ses courts comme Vincent (portrait de Vincent Price, figure emblématique des films dépouvante dont Burton était l’idole) et cette vidéo complètement improbable sur son adaptation d’Hansel et Gretel.

Pour chacun de ses films, il y a des explications, des objets comme les masques de Batman, le costume et les ciseaux d’Edward aux mains d’argent ( où on se rend compte que Johnny Depp n’est pas très grand) , l’épouvantail de Sleepy Hollow, les illustrations pour les Noces funèbres ou l’Étrange Noël…  et même certains costumes de son prochain film, Dark Shadows.  On a aussi droit a une rétrospective succincte  de ses plus grands succès. Même si cette partie est très intéressante et doit constituer pour le fan le clou de cette exposition, j’ai regretté que certains films soient « sous traités ». Très peu de choses sur Alice aux pays des merveilles alors que Sweeny Todd avait une belle place avec de nombreuses illustrations ainsi que les fameuses lames du barbier de Fleet Street. Le pauvre épouvantail de Sleepy Hollow  exposé juste à la fin de l’expo avait été mis là pour faire acte de présence alors que des illustrations pour la construction des décors  ou des costume n’auraient pas été de trop (vous l’aurez compris, c’est probablement mon film préféré de Tim Burton). C’est pour moi le seul vrai bémol sur cette exposition.

Cette exposition est donc à voir si le personnage et ses films vous ont plus. Il n’y a pas besoin d’être un fan absolu pour apprécier ses illustrations et en apprendre un peu plus sur le personnage et sa carrière. De plus la cinémathèque est un musée agréable avec de grandes salles où même si il y avait beaucoup de monde, on ne se marchait pas sur les pieds. L’agencement n’est pas exceptionnel mais on a de l’espace et cela permet d’apprécier cette très bonne exposition que je vous recommande.

Comme en chaque début de mois depuis le début de l’année, je vous propose ce rapide sommaire rétrospectif, au cas où vous auriez loupé quelque chose !

En mars sur Même Esprit, on a donc parlé comme souvent :

En Mars sur Même Esprit, pas un mot sur les actes d'un déséquilibré

- de Musique ! Avec les Chansons de la semaine : ça a dépoté en début de mois, avec d’abord Give Me Your Life des étonnants Français de Skip the Use, puis avec un morceau plus ancien et plus extrême, P4 de Mass Hysteria. Stoeffler a pris le relais pour la première fois dans cette rubrique pour nous parler de Retreat des Rakes ; Somebody That I Used to Know de Gotye, qui m’a donné l’occasion de mener une petite enquête sur les conditions qui ont conduit au succès international de ce morceau ; et la dernière Chanson de la semaine était un titre un peu particulier puisqu’il s’agissait d’une des compos de mon groupe GOne, dont nous avons réalisé une version en français : Le Jour Où La Terre Ralentit.

- de Séries, avec une déception du côté d’Alcatraz, dont à la fin de sa première saison, notre spécialiste Ayastan regrette qu’elle n’aie pas tenu toutes ses promesses.

- On a moins parlé de Cinéma ce mois-ci (il faut dire que personnellement ça doit faire trois mois que je n’y ai plus mis les pieds…). Stoeffler nous a quand même parlé de The Descendants d’Alexander Payne (dont je soupçonne qu’il l’avait lui-même vu il y a un certain temps…), mais ça a été tout.

En Mars sur Même Esprit, on n'a pas parlé de la façon dont les sondages et les médias conditionnent ce que doit être l'actualité et se font parfois heureusement surprendre

- dans la catégories Bouquins, Jika nous a parlé de Pourquoi j’ai mangé mon père, un classique de l’Américain Roy Lewis qu’il a ressorti récemment de ses étagères, puis Stoeffler nous a présenté The Windup Girl de Paolo Bacigulapi (La Fille automate, en édition française), un roman d’anticipation.

- On est parti en Voyage à Winchester, dans le Hampshire en Angleterre avec Stoeffler

- Ça n’arrive pas souvent sur Même Esprit, mais Jika nous a parlé Théâtre, et plus précisément de la pièce Dernier Coup de Ciseaux, un classique international dans lequel le public entre en interaction avec les acteurs sur scène.

- Je vous ai parlé rapidement d’une courte expo Photo (elle continue jusqu’au 22 avril !) à la Fondation Henri Cartier-Bresson, qui présente des photos du Français Henri Cartier-Bresson et de l’Américain Paul Strand, prises au début du 20e siècle lors de leur voyage au Mexique.

- Vous avez pu découvrir un Jeu de stratégie sur IPhone : La Guerre des Roses, que Jika vous recommande.

- enfin pour finir, j’ai abordé un sujet qu’on pourrait classer en Sciences/ Société, avec cette grande investigation menée par moi-même pour comprendre pourquoi ma télé (comme ma chaîne hifi, comme ma Box HD,…) reste en veille quand je l’éteins.

Et en avril, qui va parler de quoi, alors ?

Un cadre dans le cadre dans le cadre... et une figure qui en sort. La 3D avant l'heure ! (Cartier-Bresson)

La Fondation Henri Cartier-Bresson propose jusqu’au 22 avril 2012 une exposition présentant une sélection d’œuvres des photographes Paul Strand et Henri Cartier-Bresson, qui ont tous deux traversé le Mexique entre 1932 et 1934. Les deux hommes ne se connaissaient pas à l’époque (ils se sont rencontré peu de temps après, et ont œuvré ensuite ensemble au sein du collectif Frontier Film), mais ils partagent des convictions communistes (Strand deviendra membre de l’American Labor Party avant de fuir les Etats-Unis lors de la montée du Maccarthysme, Cartier-Bresson revendiqua avoir voté pour le Parti Communiste jusqu’en 1956) qui furent l’une de leurs motivations principales pour visiter ce qui était alors considéré comme « le pays de la révolution réussie » (la Révolution Mexicaine avait débarrassé le pays du général Porfirio Diaz après près de 30 ans d’occupation du pouvoir, pour finalement conduire -après quelques rebondissements et pas mal de morts- à l’avènement du Parti Révolutionnaire Institutionnel (il fallait l’inventer !) socialiste).

Nets, Paul Strand - les paysages de l'Américain sont souvent réussis

Cette sensibilité politique et le fait qu’ils pratiquent le même art sont néanmoins à peu près les seuls points communs qu’on peut trouver entre les deux hommes au vu de leurs œuvres. Le style de Strand, plus posé, plus composé, le voit particulièrement exceller à mon goût dans les paysages, alors que ses portraits, bien cadrés, classiques, sont plutôt plats et ennuyeux. A l’inverse, Cartier-Bresson prend davantage les événements sur le vif, au moment où ils se produisent, quitte à les provoquer éventuellement, ou à en révéler l’attrait par un cadrage astucieux. La différence d’âge (Strand a 40 ans à l’époque, Cartier-Bresson la vingtaine) explique peut-être cette différence de style qui rend (en tous cas aux yeux du visiteur d’aujourd’hui) les photos du dernier plus vivantes et donc plus intéressantes ou émouvantes, même si la perfection technique, la beauté du noir et blanc, se situe clairement plutôt du côté de l’Américain.

Vendeuses de journaux, Henri Cartier-Bresson

Exposés dans deux pièces distinctes sur les deux premiers étages de la Fondation Henri Cartier-Bresson -la sélection de photos de Strand au premier étage, celle de Cartier-Bresson au deuxième- les 90 tirages qui constituent l’exposition n’offrent toutefois vraiment qu’une mise en bouche un peu courte, rare en images marquantes, et que j’ai quitté en me demandant comment mes 6 € (ok, 6 € ce n’est pas grand chose pour une entrée) avaient pu si rapidement disparaître… Plutôt décevant, donc.

Les noirs et blancs de Paul Strand sont souvent plus beaux que ceux de Cartier-Bresson

Pour ceux qui auraient manqué un épisode, en février sur Même Esprit, je vous refais comme en début de chaque mois un petit résumé. Vous avez ainsi pu lire :

En février sur Même Esprit, vous avez échappé à The Artist

- des critiques de films sortis au ciné : La version rock’n'roll des Trois Mousquetaires de… disons, l’inégal Paul W.S. Anderson ; Chronicle, de Josh Trank, sur des ados qui acquièrent subitement des super pouvoirs mais qui ne deviennent pas pour autant des super-héros. Ca ne fait pas beaucoup pour les films en salles ce mois-ci, mais c’est parce que moi je n’y suis pas beaucoup allé, et que Stoeffler a regardé des DVD : Paranormal Activity 2 (la suite du premier), par exemple. Quant à Ayastan, il s’intéresse davantage aux Séries ! Il a ainsi enchaîné la publication de sa chronique sur les séries de la mi-saison et bilan de la rentrée, avec la présentation en vidéo de deux goodies qui feront baver tous les fans de Lost, le coffret intégral DVD US (avec moultibonus) et l’encyclopédie richement illustrée de la série.

- Février a aussi vu l’apparition d’une nouvelle excellentissime rubrique, La Chanson de la Semaine, animée pour l’instant par moi-même mais à laquelle Stoeffler et Jibouille, autres mélomanes, devraient également contribuer, et qui ambitionne de vous faire découvrir ou redécouvrir des chansons qui valent d’être entendues mais qui ne sont pas très connues. Vous avez ainsi pu écouter un vieux titre inédit des Cure, All I Had To Do Is Kill Her ; un beau morceau triste des peu connus Pilot Speed, Alright ; la magnifique voix de la chanteuse kurde (ah ben oui, c’est une rubrique éclectique, hein !) Aynur Dogan sur une prise live extraordinaire d’Ahmedo enregistrée à l’occasion du documentaire The Sound of Istanbul : Crossing the Bridge ; enfin, pour finir sur une note plus tonique après ces trois chansons belles mais tristes, je vous ai présenté le délirant Girl Anachronism des Dresden Dolls.

En février sur Même Esprit vous êtes passé complètement à côté de Lana Del Rey

- Stoeffler tente aussi de mettre en place une nouvelle rubrique récurrente, les Pour ou Contre, avec l’ambition de te faire participer (oui, toi, lecteur !) à ces discussions. Alors, pour ou contre, les chaînes de restauration ? Ça vous énerve pas, vous, les 4×4 en ville ?

- Marga a ajouté une nouvelle Recette à notre livre de cuisine, avec sa soupe à la patate douce et au chorizo, que je n’ai pas encore testée mais qui me donne bien envie (il faut juste que j’arrive à m’organiser pour choper les ingrédients, quoi). Jamais en retard quand il s’agit de bouffe, Gattaca nous a emmenés au Brunch SuperNature (qui comme son nom l’indique, est apparemment super (et nature)) !

- Stoeffler a joué à Heavy Rain sur Playstation 3, et Jika, qui a d’autres problèmes en ce moment mais qu’on espère retrouver bientôt plus présent, a lui aussi joué à des Jeux Vidéos : à la décevante version portée sur IPhone du pourtant excellent jeu de plateau Caylus.

En février sur Même Esprit, certains contributeurs ont eu une clé Diablo III, mais pas tous...

- Stoeffler nous a aussi parlé Sciences, avec une tentative d’explication par la chimie des hormones de la raison pour laquelle les hommes s’endorm(irai)ent après l’amour !

- enfin, on est allés au musée ! Au Musée d’Orsay, même, pour être précis, voir une exposition consacrée au méconnu peintre Finlandais Akseli Gallen-Kallela, dont l’œuvre majeure illustre un intrigant recueil de poèmes de la mythologie traditionnelle finlandaise, le Kalevala.

Et en Mars alors, de quoi est-ce qu’on va parler ?