Pour Stoker, un des critères qui m’a convaincu était qu’il avait été réalisé par Park Chan-wook à qui l’on doit notamment Old Boy et Lady Vengeance (que je n’ai pas (encore) vus, mais dont j’en ai entendu beaucoup de bien), et qui je sais n’a plus à faire ses preuves. Une note de 5 sur 5 dans le magasine Empire Outre-Manche m’a finalement décidé d’aller dans mon cinéma le plus proche.

India Stoker est une jeune fille étrange. D’une nature plutôt discrète, elle vit avec ses parents dans une énorme maison au milieu de la campagne américaine. Malheureusement son père vient de décéder tragiquement dans un accident de voiture et alors que les funérailles ont lieu, le frère du défunt, Charlie, fait son apparition. Rien de spécial, si ce n’est que personne n’a l’air d’avoir eu connaissance de son existence. Cette arrivée inattendue va mettre à jour les relations ô combien difficiles qui existent entre India et sa mère Evie, et va en plus déterrer quelques squelettes qui étaient cachés dans leurs placards…

L’originalité de Stoker réside principalement dans la cinématographie du film. Absolument rien n’est laissé au hasard dans chacun des plans que nous livre le réalisateur : les couleurs et la lumière sont magnifiques, les mouvements de caméras tout en contrôle et précision, les plans (et les passages d’un plan à l’autre) originaux et sobres à la fois et l’attention prêtée aux détails est effrayante. Ces nombreuses qualités permettent à Stoker de dégager une ambiance puissante qui submerge le spectateur malgré une histoire assez conventionnelle.

En sortant du film, l’atmosphère m’a d’ailleurs profondément marqué. Ca n’est pas que l’histoire est nulle, bien au contraire, mais elle n’a rien d’extraordinaire. La façon dont est tourné Stoker permet au réalisateur de détourner l’attention du spectateur et de subtilement disséminer des indices concernant l’intrigue tout au long du film. Je pense notamment à de petites astuces de narration non-linéaires disséminées ici et là qui permettent de mettre en relief certaines scènes et d’apporter de la surprise supplémentaire.

Un autre exemple fut le détournement d’attention dont j’ai été la victime : j’étais tellement pris dans l’ambiance qu’à la fin du film je me suis dit, mais bien sur comment ai-je pu manquer ce détail, c’était forcément évident !

Tous ces atouts ne seraient rien si l’histoire et le film n’étaient pas soutenus par des acteurs à la hauteur. Les comédiens sont éblouissants, avec Mia Wasikowksa (à mes souhaits !) en chef de patrouille, parfaite en adolescente bizarre et angoissante. Elle est suppléée par Nicole Kidman, jouant à merveille la veuve éplorée et mère irresponsable, complètement à l’ouest ainsi que par Matthew Goode terrifiant en « oncle sympa ». D’ailleurs, la dichotomie de l’oncle entre son aspect parfait et son attitude étrange est renforcée par le maquillage extrêmement exagéré dont il est affublé : il est tellement lisse et orange qu’on se demande si cela n’est pas surnaturel !

Une dernière chose à noter, pour tous ceux qui connaissent le travail de Park Chan-wook et ses habitudes cinématographiques. Pas d’ultra violence dans le film, qui se veut je pense être une histoire à suspense avec une touche d’angoisse et de frissons.

Comme vous pouvez vous en doutez, j’ai été très enthousiasmé par Stoker que je considère comme une excellente surprise.

J’achète !

Si vous avez besoin d’être encore plus convaincu, voici la bande-annonce que je ne recommande pas, car elle en dévoile un peu trop.

 Je suis un grand fan d’Agnès Jaoui, je suis un grand fan de Jean-Pierre Bacri, je suis un grand fan du tandem à l’écran Jaoui-Bacri. Acteurs, scénaristes, réalisatrice, j’ai d’excellents souvenirs de plusieurs de leurs films quelles que soient leurs contributions (« Un air de famille », « Cuisine et dépendances », « Le goût des autres », etc.), y compris dans des registres plus légers (« Didier »).

C’est donc tout naturellement avec plaisir et avidité que j’ai appris qu’ils sortaient un nouveau film, intitulé « Au bout du conte », dont la bande-annonce était en plus savoureuse, avec un Bacri bien comme on l’aime, et dont je continue de me demander si c’est un vrai rôle de composition ou s’il est comme ça naturellement. Je me suis donc empressé d’aller voir le film, entraînant Marjo sans me poser de questions, sans lire les premières critiques (qui n’auraient pas forcément influencé mon choix, de toutes façons) et ô mon dieu, OMG comme on dit aujourd’hui, que s’est-il passé ??

Le film dure (1)1h50. 110 minutes de morne plaine, où je me suis franchement ennuyé…  On y suit les destins plus ou moins croisés de plusieurs personnages, des hommes seuls et des femmes seules, des vieux couples parfois fissurés et des jeunes couples fragiles, des célibataires malheureux et des séducteurs dangereux (c’est beau ce que j’écris). Au niveau du jeu, les acteurs s’en sortent globalement bien, y compris Sandro le compositeur bègue que j’aurai pu haïr tout du long du film du fait de mon agacement généralisé, mais qui finalement a ce petit air humain et sympathique qui fait qu’on lui pardonne tout. Quant à Jean-Pierre Bacri et Agnès Jaoui, ils jouent extrêmement bien, leurs personnages -taillés sur mesure il est vrai- sont parfaits (Bacri en responsable d’auto-école blasé et terrorisé par la prédiction de sa mort prochaine faite par une voyante folle 40 ans plus tôt ; Jaoui actrice méconnue et femme enfin libre mais qui se rend compte que seule elle n’est capable de rien) ; non, vraiment, au niveau du jeu, il n’y a rien à redire.

(ça ne vous rappelle pas quelqu’un ?)

Mais toutes ces histoires, ces personnages qui se croisent, avec un rythme leeeeeeeeeeeeent, sans réel fil rouge entre entre ces différentes saynètes de la vie quotidienne qui s’enchaînent sur une musique persistante et au bout du compte désagréable (« au bout du compte » : je l’ai placé celle-là !). C’est plat, c’est rarement drôle, c’est souvent convenu et attendu (je ne veux pas spoiler mais il y 5-6 fois dans le film où je savais d’avance le gag à venir tellement c’était énorme), bref, une grosse déception pour moi…

Car s’il y a bien quelques scènes fines et certaines marrantes sur les 110 minutes, je n’en retiens qu’une que je ne doive pas à Bacri et/ou à Jaoui (je pense à la scène du bal). Plusieurs scènes sont littéralement nulles et parfois même franchement bizarres (deux m’ont particulièrement surpris pour le coup : tout d’abord, un plan fixe de 3 secondes sur le visage de la mère de Laura (62 ans civilement et de tête, 30 ans de corps), je n’ai pas compris l’éventuel message… Et à un moment, Laura, toute vêtue de rouge, traverse la forêt pour aller voir sa tante, elle y croise le voisin de cette dernière, M. Wolf ; c’est bon, tout le monde a compris ? Pourquoi rajouter ce pantin de méchant loup, qui surgit de derrière un arbre ?? Des yeux dans la nuit, un mouvement dans les fougères, un bruit de course sur les feuilles mortes, ça aurait été superflu : mais là ? C’est superflu et pour le moins curieux).

Le duo Bacri-Jaoui fonctionne bien et le reste du film m’ayant tellement saoulé , je guettais chacune de leurs apparitions à l’écran avec avidité dans l’espoir de sourire un bref instant, parfois avec succès. Cela ne sauve évidemment pas le film, dont j’espère qu’il n’est qu’une erreur de parcours de deux de mes acteurs/réalisateurs/scénaristes préférés (ça fait un peu présomptueux de parler d’erreur de parcours, mais c’est comme ça que je le ressens).

 Vivement le prochain !

Zero Dark Thirty a heureusement été réalisé par Kathryn Bigelow à qui on doit Le Démineur (Hurt Locker en anglais dans le texte) et même si ce n’était pas le film de l’année, il avait de nombreuses qualités qui pouvaient laisser présager qu’on aurait droit à un film décent.

Zero Dark Thirty suit le parcours de Maya, une analyste de la CIA, qui arrive au Pakistan pour tenter d’interpréter les informations qui sont soutirées aux terroristes capturés par le gouvernement américain. De fil en aiguille, il semblerait que Maya ait mis le doigt sur un renseignement qui pourrait la mener jusqu’à la cible ultime, Oussama Ben Laden. Le problème, c’est que ses supérieurs ne sont pas tous d’accord avec elle et qu’elle doit remuer ciel et terre pour essayer de les convaincre d’agir.

Somme toute assez bateau, le scenario n’est pas le point fort du film, surtout quand on sait comment il va se terminer…

Non, ce qui en impose c’est le casting, la mise en scène et l’ambiance, tous trois impeccables.

Jessica Chastain (inconnue au bataillon), Maya, est irréprochable en agent de la CIA à la fois tiraillée par les moyens mis en place pour obtenir les informations (i.e., la torture) mais est totalement crédible dans son interprétation fanatique lorsqu’elle pense avoir trouvé une piste menant à la tête d’Al Qaïda. Parfois Maya fait penser à Carrie de Homeland quand on voit de quelle ardeur l’agent fait preuve pour mener à bien sa mission ; elle est obsédée par un seul et unique but, retrouver un des contacts qui la mènera à Ben Laden. La comparaison entre les deux personnages fictifs s’arrête heureusement au zèle dont elles font preuve. Le film diffère entièrement de la série.

On n’est également pas en reste pour ce qui est des personnages secondaires : Kyle Chandler, Mark Strong, Harold Perrineau (Michael dans Lost), James Gandolfini… bref que du beau monde !

La mise en scène est quant à elle un modèle de sobriété ; à la limite du documentaire, Bigelow projette les images sans connotation laissant au spectateur le soin de juger les actions du gouvernement américain. Je fais évidemment référence ici à quelques scènes de tortures, qui j’ai trouvées n’étaient pas voyeuristes mais filmées avec un détachement qui se vouait plutôt à un caractère informatif que racoleur, ou encore la justification d’exécuter le leader d’un groupe d’extrémistes sans autre forme de procès.

Je pensais également que j’allais être gêné de savoir comment allait se terminer le film (il dure quand même près de deux heures et demie), mais l’histoire est tellement prenante, méticuleuse que même si l’issue est décidée dès le début on prend grand plaisir à voir quels petits détails peuvent amener les analystes à tirer des conclusions qui auront des conséquences dramatiques.

Le film n’a pas spécialement fait de vagues ici outre-manche malgré ses nominations aux Golden Globes (dont Jessica Chastain a empoché celui du meilleur rôle féminin) et aux Oscars.

Je trouve personnellement que le film vaut le coup, et que si le pitch vous a plu, alors foncez !

Le pitch de la série est relativement original, mêlant enquête et fantastique. Après un accident de voiture avec sa femme et son fils, l’inspecteur Britten se réveille et apprend la mort de sa femme. Le lendemain, il se réveille aux côtés de sa femme qu’il pensait avoir perdu et découvre que cette fois c’est son fils qui est mort dans l’accident. Il se retrouve ainsi entre deux vies parallèles, l’une avec son fils, l’autre avec sa femme. Il alterne entre ces deux vies et travaille ainsi sur des enquêtes différentes, avec des partenaires différents et dont les éléments s’entrecroisent. Est-il fou ? Tout cela n’est-il qu’un rêve ?

On doit également au créateur de la série, Kyle Killen, Le Complexe du Castor, film sorti en 2011 avec Mel Gibson où ce dernier souffre de dépression chronique et fait d’une peluche son unique mode de conversation avec le monde extérieur, et Lone Star, une série de 2010 prématurément arrêtée où l’on suivait la double vie sentimentale d’un gars s’étant construit deux familles avec deux boulots, etc

Kyllen explore donc dans Awake une fois de plus cet aspect particulier des choses : les doubles vies, les troubles de la perception, etc. Sans être un chef d’œuvre, le pari est réussi. Le format « série » sur lequel certaines critiques sont revenues, me paraît à moi tout à fait adapté, afin d’éviter un effet « Un jour sans fin II » (même si j’ai beaucoup aimé ce film). A propos de références cinématographiques, certains ont audacieusement fait allusion à des films comme Inception, à mon avis un peu rapidement.

Bon… La plupart des contributeurs de ce blog connait mon problème -que dis-je !, ce n’est pas un problème !-, mon attachement, à la crédibilité dans les œuvres cinématographiques. Je n‘ai aucun problème, au contraire, avec les super-héros, avec les vaisseaux spatiaux ni même avec les voyages dans le temps, ce qui est de la pure fiction et pour l’instant du moins parfaitement invraisemblable. En revanche, je suis très attaché à la façon dont les scènes sont amenées, aux réactions des personnages, à la crédibilité de  y compris dans les séries les plus réalistes (catégorie où je ne classe par exemple pas du tout « Les Experts », « Castle » et autres « NCIS »). Je ne fais pas d’effort pour débusquer les petits détails qui ruinent une scène mais certains me sautent parfois aux yeux d’eux-mêmes et ça m’agace au plus au point : les acteurs fainéants qui trimballent des sacs vides, les conducteurs qui ne regardent pas la route mais roulent droit en donnant des petits coups de volant à droite et à gauche, etc. Ce genre de trucs me gave et me gâche un film en moins de temps qu’il ne faut pour le dire.

Tout ça pour dire qu’avec son postulat de départ, Awake aurait pu m’intriguer ou au contraire me faire crier au navet et regretter d’avoir perdu 45mn de mon temps : le tout dépendrait de comment le tout était amené.

J’ai bien aimé cette première saison, cette unique saison, de Awake : ce n’est pas ma série préférée de l’année, elle ne figure peut-être même pas dans mon top 5, mais c’est plaisant. Le pilote de la série est effectivement très bon, certains épisodes sont également bien menés, dévoilant peu à peu un complot en guise de fil rouge entre les épisodes. Je n’aime pas trop l’acteur principal, mais je dois reconnaitre que la prestation de Jason Isaacs au fil des épisodes est tout à fait satisfaisante, même si personnellement je n’ai pas ressenti les moments de doute, les crises existentielles que ne devrait pas manquer de subir quelqu’un dans sa situation (je reviendrai un peu après sur les défauts de la série qui n’en font selon moi, finalement, qu’un bon divertissement). Au chapitre des bonnes choses de cette série, encore, c’est la présence de quelques rôles secondaires de qualité et notamment ses deux psys, Cherry Jones (que j’avais déjà beaucoup apprécié dans 24 heures chrono) et B.D. Wong (qui joue un rôle similaire et récurrent dans New York – Unité spéciale). Les séances chez ses psys sont d’ailleurs à peu près toutes bien foutues, les deux praticiens étant chacun certain que l’autre n’existe que dans l’esprit du policier.

La façon dont Britten alerte involontairement les comploteurs et provoque à moyen terme le chaos dans sa vie déjà malmenée est très bien trouvée ; cette intrigue, qui transparaît en filigrane, est parfois complètement écartée pendant de nombreux épisodes. Ce n’est pas forcément un mal, un peu de finesse ne faisant pas de mal, mais tout de même, ce fil rouge disparaît parfois complètement pour revenir avec la taille d’une grosse corde qui tâche quelques épisodes plus tard et notamment sur la fin (ce qui est logique, me direz-vous).

Mais plusieurs éléments viennent un peu gâcher la fête. Au premier plan, les deux autres personnages principaux de la série, le fils du lieutenant et encore plus son épouse sont agaçants tout du long des 13 épisodes… Et on rejoint là le petit laïus sur la crédibilité : cette mère de famille a perdu son fils unique dans un accident dû à l’alcool, où elle et son mari ont failli également mourir. Quelques temps après, son mari semble péter un câble, il lui parle de « rêves » où il côtoie encore leur enfant décédé. Personnellement, je crois qu’à sa place, j’aurai un petit coup de déprime, là… Et bien non, elle, ça va nickel ; alors que dans les premières minutes du pilote, elle est hostile à cette idée, elle en accepte finalement et sans raison visible l’idée et demande à son mari de dire à leur fils qu’elle l’aime très fort. Puis… puis rien. Il n’y aura plus aucune mention d’échange entre la mère et le fils, plus aucune discussion entre les deux époux sur le sujet… Ça m’a donné l’impression que la dernière scène du pilote avait été laissé dans le final cut par erreur et ça m’a un peu déçu. Le fils aussi est relativement énervant, même s’il reste crédible dans son rôle d’ado… énervant.

Autre bizarrerie, Britten et son fils nouent à un moment une relation privilégiée et ambiguë avec l’un des professeurs du gamin, qui disparait ensuite sans laisser de trace. Encore une fois, ça laisse une impression de non-inachevé, comme s’il avait manqué à cette série quelques épisodes, ou pire, plus probable, une saison.

Bon, finir comme ça sur les aspects négatifs de la série donne une vision plutôt critique de cette série, qui ne manque cependant pas d’atouts : un pitch original et bien amené, un acteur principal souvent convainquant, certains épisodes savoureux, une photographie remarquable. L’annulation de la série avant même la fin de la production de la première saison a certainement conduit Killen à certains choix discutables -non, je ne spoilerai pas- et même si la première saison se suffit à elle-même, il est évident qu’une suite lui aurait permis d’éviter certains écueils.

Le pitch : inspecteur de police à Detroit, Alex Cross fait équipe avec son ami de toujours, Tommy Kane, et l’inspectrice Monica Ashe pour élucider une affaire de meurtres en série. Le tueur, surnommé Picasso, cherche à s’en prendre à un puissant industriel de la ville, Gilles Mercier. Mais dans cette affaire , les évidences cachent parfois des pièges et rien n’est vraiment ce qu’il paraît. Alors que Cross emploie toute son expertise psychologique à anticiper les actes du tueur, il doit aussi lutter contre les pulsions que Picasso a fait surgir en lui… Ha, j’oubliais, Tommy et Monica ont une liaison qu’ils pensent cacher à Alex qui a tout deviné parce qu’il l’a reniflé.

Je ne vais perdre plus de temps avec Alex Cross : ce film est une bouse sans nom.

A part Matthew Fox (déjà vu dans Lost, plusieurs fois traité dans ce blog, ou dans Angle d’attaque), qui sort son épingle du jeu, le jeu des acteurs est lamentable ; les dialogues, nullissimes (en VF en tous cas) ; les seconds rôles, pourris ; les situations, plus qu’improbables ; les scènes d’action, gerbos. Le réalisme, oublié (j’ai a-do-ré la scène clé, où Cohen nous en remet une couche, et où Alex Cross, en fin psychologue qu’il est, dit « métro » ; ça ne parlera qu’à ceux qui ont vu le film, mais c’était vraiment, vraiment, vraiment, ridicule).

Et si Matthew Fox sort effectivement son épingle du jeu, c’est uniquement dans son rôle de psychopathe. Car pour le reste, les motivations, les tenants et les aboutissants de son personnage restent complètement mystérieux… De même que les motivations du vrai grand méchant du film, dont le jeu d’acteur est à la hauteur de ses collègues et dont la dernière scène est parfaitement pathétique…

Show ▼

Non, vraiment, ce film ne sert à rien.

Le meilleur d’Alex Cross ? Son affiche.

Il y a quelques jours, je suis tombé sur un article sur le célébrissime panneau Hollywood planté sur l’une des collines de Los Angeles, aux Staïtes. Ces 9 lettres emblématiques du cinéma américain ont été rafraichies récemment, à l’aide d’une équipe de 4 ouvriers qui ont gratté, poncé puis repeint durant plus de 9 semaines les 9 panneaux emblématiques avec plus de 1300 litres de peinture. Jusque-là rien de passionnant, et la suite, deux de ces anecdotes dont j’ai la spécialité sur ce blog, est susceptible de ne pas vous intéresser davantage mais au moins ça vous aura appris quelque chose.

Saviez-vous que le panneau HOLLYWOOD indiquait à l’origine HOLLYWOODLAND ? Édifié en 1923 pour faire la publicité d’un programme immobilier du même nom -bientôt 90 ans, il était temps de lui blanchir les dents :p- , les quatre dernières lettres furent enlevées en 1949. Devenu l’un des sites les plus prisés de Los Angeles, le panneau commence cependant à se délabrer jusqu’à ce qu’il soit restauré une première fois dans les années 70 après une campagne qui a vu neuf donateurs « adopter » chacun une lettre pour la somme de 27.000 dollars.

Elles ont été de nouveau menacées lorsque des investisseurs possédant des terrains autour des lettres géantes firent part de leur intention de les vendre à des promoteurs immobiliers : mais le patron de Playboy, Hugh Hefner (petit jeu : trouve-le sur cette photo !), aida à la sécurisation du site en 2010 en compagnie du gouverneur de Californie de l’époque, Arnold Schwarzenegger, ainsi que d’autres sommités de Hollywood, tels Steven Spielberg ou Tom Hanks.

Et à propos de sécurité autour du site, sachez qu’il est absolument interdit de s’approcher des lettres géantes et que votre seule présence à proximité, repérée par des Rangers à cheval, des chiens, des détecteurs de mouvement, etc., est susceptible d’être réprimée d’une amende de plusieurs centaines de dollars et même d’une nuit en prison… On ne rigole pas, aux Staïtes.

Les autorités veulent non seulement préserver la zone, ce qui se comprend bien, mais également éviter les tragédies comme celle de Peg Entwistle, qui se suicida en 1932 en se jetant du haut du H (du H de Hollywoodland, si vous avez bien suivi). Tragédie hollywoodienne avant l’heure, elle reçut deux jours plus tard une lettre expédiée la veille de sa mort contenant une proposition de premier rôle dans une pièce de théâtre, dans laquelle le personnage principal qui aurait été le sien se suicide dans le dernier acte. C’est ça, le cinéma !

Le temps a fait que j’ai complètement oublié le film… jusqu’à récemment, où nous nous sommes mis à regarder New Girl, avec Zooey Deschanel qui tient aussi le rôle principal dans 500 Days Of Summer. Nous l’avons mis finalement sur notre liste de films à voir et mon deuxième visionnage m’a conforté dans l’idée que c’était un bon petit film très sympa (la spectatrice à côté de moi opine) et sans prétention (là, la spectatrice à côté de moi n’opine pas).

Tom Hansen, incarné par Joseph Gordon-Levitt, est un jeune homme désabusé qui attend le grand amour. De formation d’architecte, il se retrouve à écrire des cartes de vœux insipides pour une société du New Hampshire. La vie de Tom bascule le jour où Summer, fraichement débarquée de nulle part, devient la secrétaire de son patron et qu’il débute « une relation » avec elle.

Le film raconte l’aventure entre Tom et Summer, qui durera 500 jours (ou pas?!), d’où le titre du film (qui est aussi un jeu de mot), 500 Days Of Summer (500 jours de Summer/d’été).

Ne sont-ils pas mignons ces-deux là?!

Somme toutes une trame banale. Là où le film se démarque des autres comédies sentimentales à la mords-moi-la-chicorée, c’est que la narration est non linéaire et que les étapes de la liaison entre les deux principaux protagonistes est racontée dans le désordre, avec le début et la fin de leur relation pas forcement montrée dans cet ordre-là. Le fait de briser le moule d’une trame chronologique rend l’histoire plus originale mais aussi plus intéressante.

Deuxième point important, les acteurs qui sont plus que crédibles et qui ont une vraie alchimie à l’écran. Chaque émotion est jouée juste et les méandres de leur relation parfaitement rendue. C’est peut-être pas très objectif de ma part parce que d’emblée j’aime bien les deux acteurs ; Joseph Gordon Levit est toujours classe et sobre alors que Zooey Deschanel est une nana toute mignonne et un peu fofolle. Autant prêcher un convaincu ! Les acteurs secondaires, dont Chloë Grace Moretz incarnant ici la sœur de Tom, ne sont pas en reste et l’ensemble du casting est bien au point.

Le point le plus important pour moi dans ce genre de film, c’est que c’est drôle sans être lourdingue, différent sans laisser insensible et surtout ça n’est pas mièvre, avec une fin téléphonée ou des bons sentiments à gogo. On est parfois confronté à des situations dures (sentimentalement parlant j’entends) et certaines répliques sont assez cruelles mais plutôt réalistes quant aux relations que les gens normaux peuvent avoir.

Bien aidé par une bande son qui tient la route et des acteurs à leur aise, 500 Days Of Summer est une comédie très sympathique, originale de par sa mise en scène, et qui se laisse regarder sans effort. Je recommande !

Je mets le lien pour la bande-annonce, mais je ne conseille pas de la regarder, elle gâche certaines scènes du film. Juste pour ceux qui seraient sceptiques !

Trêve de 3615 Ma Life, aujourd’hui j’aimerais vous parler d’un film d’arts martiaux qui s’appelle The Raid. Friand de ce genre de film quand j’étais plus jeune, j’avoue qu’à présent il est rare que j’ai l’occasion d’en voir un. Mais après voir lu des critiques dithyrambiques sur The Raid, je me suis laissé tenter par l’expérience.

Comme dans tout bon film de baston qui se respecte, l’histoire et le scenario sont tout bonnement insipides : ici, un malfrat de Jakarta a la main mise sur un immeuble dont les appartements sont loués à toute la racaille de la ville. Bien évidemment le gouvernement et la police ne cautionnent pas que ces criminels puissent profiter en toute impunité de cette zone de non-droit et envoient fréquemment des équipes de policiers pour tenter de faire le ménage et de récupérer l’immeuble. Sans succès évidemment. Le début du film voit arriver une nouvelle équipe de policiers qui va essayer de prendre d’assaut la bâtisse, avec à son actif Rama (Iko Uwais) qui va bientôt être père et qui découvrira que cette tour infernale va s’avérer être pleine de (mauvaises) surprises.

Insipide ! Mais qu’importe, en ayant loué le DVD je savais pertinemment dans quoi je m’engageais et le film ne déçoit pas du tout.

Les scènes de combat sont réalistes, filmées avec des angles de camera improbables et à de nombreux moments je soufflais, aie, ouille, oulala, eep ! tant l’impression de violence transpirait avec chaque coup qui était porté, à main nue ou avec une machette. Je ne savais pas que le pencak silat, un art martial indonésien,  pouvait être aussi brutal et à part les répétitions de certaines chorégraphies (le coup de coude est très efficace on dirait) et des références aux acrobaties de notre indémodable Jackie Chan, le tempo et les scènes ont une fluidité impeccable ainsi qu’une inventivité que le cinéma hollywoodien promet fréquemment mais ne délivre jamais.

Le réalisateur joue également parfaitement avec le décor de l’immeuble, les différents étages apportent une dimension intéressante à certaines scènes (certains passages d’un niveau à l’autre sont peu orthodoxes…), ainsi que les objets du quotidien qui peuvent se révéler être des armes redoutables (la scène du frigo est tout bonnement géniale !).

The Raid ne va surement pas plaire à tout le monde, mais si vous aimez les films de baston et que vous voulez passer un bon moment sans vous prendre la tête, foncez !

Voici la bande annonce du film ; à noter que la B.O. a été composée par Mike Shinoda membre du groupe Linkin Park et qui je dois admettre a réussi créer une bonne atmosphère avec ses rythmes électroniques.

N’ayant plus que trois semaines à vivre, l’humanité arrête sa routine quotidienne et s’apprête à vivre ces derniers jours. Pour une bonne part des gens, cela signifie renoncer globalement aux fards de la civilisation : il y a ceux qui abandonnent la politesse de façade et s’expriment désormais sans ambages, ceux qui arrêtent de faire attention aux excès de nourriture ou de boisson, ceux qui profitent sans limite des plaisirs jusque là interdits ou contraints par la norme : sexe et drogue à gogo. Il y a aussi ceux qui s’étaient préparés de longue date à la fin du monde et qui entendent bien survivre dans leur bunker même quand la surface sera en cendres, ceux qui mettent le feu et cassent tout, ceux qui préfèrent en finir tout de suite plutôt que d’affronter la terreur des derniers instants ou l’absurdité de l’existence dans ces conditions…

Et puis il y a Dodge (un prénom qui signifie aussi « esquive », en anglais, ce qui n’est sans doute pas fortuit), incarné par un Steve Carell qui paraît déjà être passé à côté de sa vie et qui semble pourtant avoir du mal à décider de ce qu’il doit faire au moment de la conclure. C’est une discussion impromptue avec une voisine cyclothymique (Keira Knightley) qui va lui donner une voie : elle, veut rejoindre sa famille pour passer ses derniers jours avec eux – lui, ira retrouver celle qui aurait dû être la femme de sa vie mais qui en avait marqué l’échec lorsqu’elle l’avait quitté.

Steve Carell, très bien dans le rôle du type gentil passé à côté de sa vie

Fuyant ensemble la folie de la ville, ils vont trouver une autre façon de profiter pleinement de leurs derniers jours d’existence : au lieu de multiplier les expériences ou de se perdre dans les excès, ils vont plutôt retrouver le sens de ce qui est véritablement important -l’humanité, et les liens qui unissent les hommes entre eux. C’est un message qui peut paraître assez conservateur, mais auquel mon tempérament me fait souscrire assez naturellement.

Ma copine est amoureuse de Keira Knightley

Formellement très sage, Jusqu’à ce que la fin du monde nous sépare n’est pas pour autant un film banal -le choix du cadre d’une apocalypse imminente pour une comédie romantique en témoigne déjà pas mal, et c’est cette originalité qui m’avait donné envie de voir le film lorsque j’ai vu la bande annonce. Assez drôle dans sa première moitié puis plus sérieux dans la deuxième, avec le bon tempo pour conclure sur une touche émouvante, c’est un film que je qualifierais avant tout d’attachant, principalement grâce à Steve Carell et à son personnage de loser semi-autiste en apparence qui se révèle en fait sensible et généreux.

Un petit mot en passant pour saluer le choix du titre français du film, que je trouve particulièrement bien trouvé, et à la fois plus drôle et plus approprié que l’original, Seeking a friend for the end of the world [En quête d'un ami pour la fin du monde].

La classe cette affiche

Après Batman Begins (en 2005), puis The Dark Knight (en 2008), voilà donc le troisième et dernier volet de la trilogie Batman, The Dark Knight Rises, qui arrive dans nos salles obscures.

Je sais par avance que je ne vais me faire des potes en écrivant ce que j’en ai pensé, mais je prends le risque tout de même de faire des commentaires, en essayant d’être le plus objectif possible.

On commence par le traditionnel pitch du film :

8 années après la mort de Harvey Dent (Double-Face dans The Dark Knight), Bruce Wayne (toujours interprété par Christian Bale) n’est plus que l’ombre de lui-même : reclus dans son auguste demeure, il est décrépi mentalement et physiquement, et se laisse petit à petit mourir. Il ne lève même pas le petit doigt lorsque pendant un bal de charité, Selina Kyle lui vole sous son nez les perles ayant appartenues à sa mère.

Mais le malheur de Bruce Wayne fait le bonheur des forces de police car la raison de la décrépitude de notre playboy millionnaire vient du fait que Batman s’est sacrifié lors de la mort de Harvey Dent en assumant la culpabilité de son meurtre, et devenant ainsi hors-la loi. Cet évènement a donc facilité un durcissement des lois anti gangs et permis aux forces de l’ordre de tenir d’une main de fer les malfrats de Gotham City depuis.

Vraiment sympa celle-là aussi!

Mais voilà, alors que le crime semble sous contrôle, le commissaire Gordon tombe par hasard sur Bane, un autre membre de la Ligue des Assassins et ancien élève de Ra’s al Ghul et prend alors conscience qu’il prépare un très mauvais coup. Mais cette fois-ci, Batman ne pourra pas venir en aide aux forces de l’ordre et ce que Gordon ne sait pas, c’est qu’il a certainement sous-estimé ce dont Bane était capable et quels étaient ses véritables objectifs…

Comme toujours l’intrigue est assez complexe et il faut bien suivre l’histoire pour ne pas perdre des miettes d’informations, ce que me fait arriver à mon premier point.

J’admire le fait de poser le décor et les personnages puis de prendre le temps de mettre en place une histoire qui vaut la peine qu’on s’intéresse à elle. Alors dans ce cas précis, Monsieur Nolan, on choisit des acteurs intelligibles… la palme pour Bane, qui en plus d’avoir une voix ridicule est vraiment difficile à comprendre. Je trouve cela dommage car je pense que le personnage est vraiment classe et se pose en tant que vraie menace face à l’homme chauve-souris. Son charisme et son aura ont quelques peu été gâchés par sa voix (en cherchant des bandes annonces sur le net, je m’aperçois que sa voix est différente de celle qu’on a entendu au cinéma, moins aigue et moins ridicule).

Ma préférée...

J’enchaine sur les personnages donc ; j’ai parlé de Bane, mais le film a son lot de rôles secondaires qui sont plutôt intéressants et le casting est assez réussi. Je n’en évoquerai que deux, par soucis de concision:

Selina Kyle, qui est interprétée par Anne Hathaway. Avant le film, j’avais très peur qu’elle soit absolument nulle et pas du tout adaptée à ce rôle. Elle fut pour moi la meilleure surprise du film, apportant une touche sexy à Catwoman (également, coup de chapeau au réalisateur qui la rend vraiment glamour à l’écran) mais aussi une ambiguïté crédible au personnage.

John Blake interprété par Joseph Gordon-Levitt et qui est un acteur que j’aime beaucoup. Dans ce cas par contre, j’ai été un peu déçu non pas par l’interprétation mais par le fait que son personnage ne m’a pas convaincu. En tant que protégé du Commissaire Gordon, je l’ai trouvé fade et qu’il manquait quelque chose pour que ses passages à l’écran m’emballent.

Ce qui m’amène à mon point le plus important et qui est celui du l’intérêt du film… [mmmm, moment de réflexion intense]. The Dark Knight Rises est la fin d’une trilogie qui a battu des records et le film se devait d’être encore meilleur que ses prédécesseurs. Et là je pense que le réalisateur n’a pas réussi à faire mieux que The Dark Knight. L’histoire et les scènes avaient un potentiel énorme, mais à chaque fois qu’un plan se devait d’être grandiose il tombait à plat, soit parce que le musique était incongrue (par pitié, Hans, qu’est-ce que tu as foutu pour la scène entre Bruce Wayne et Alfred) soit parce que c’était mal amené Show ▼

ou pas dans le bon tempo Show ▼

, ou bien encore lorsqu’on essaie de nous arracher des larmes. Et cela n’est pas pardonnable lorsqu’on veut finir en beauté.

L’autre souci, c’est que tout est assez prévisible et c’est bien dommage ; les ficelles sont parfois un peu trop grosses et si on fait attention on peut deviner la fin sans trop de problème.

Ils auraient mieux fait de soigner un peu plus le film que de faire des affiches qui dépotent...

Il reste que j’aime bien la façon dont Christopher Nolan a traité le mythe de Batman lui donnant un côté humain ultra réaliste, face à ses choix et la conséquence des sacrifices qu’il décide de subir pour devenir le justicier qu’il est.

Je ne pense pas comme Akodostef que Batman Begins et The Dark Knight étaient des navets. Je pense que le mythe de la chauve-souris a été remis au gout du jour par Christopher Nolan. Mais il y avait tellement d’attente par rapport à la sortie du dernier film, qu’il aurait fallu que le réalisateur nous ponde un chef d’œuvre pour nous satisfaire. Sans dire que le film est nul (je l’ai trouvé plaisant mais clairement pas le film de l’année, ni même de la décennie), j’ai pensé qu’il n’avait rien de spécial et j’ai été un peu déçu.

Je finirai sur une petite série d’incohérence (concoctées par Akodostef lui-même, guest star de cet article), telle qu’elles ont été présentées dans le billet sur Prometheus :

Show ▼

Dommage que le film ne soit pas à la hauteur de cette bande-annonce (malheureusement sans sous-titres), qui donne vraiment envie !